ASUME TU BARRANCO

Las bestias de dos lomos

2011-11-11T08:38:00.001-08:00

Por Mercedes Halfon para RADAR

Cinco hombres suben a escena, libro en mano, para largar repulsivas confesiones sobre la triste condición masculina y heterosexual de hoy en día... Adaptando y pervirtiendo el ya poderoso libro de relatos Entrevistas breves con hombres repulsivos, del norteamericano David Foster Wallace, el director catalán Marc Caellas eligió escritores en vez de actores para darles voz y cuerpo a estos hombres revulsivos pero honestos, cínicos pero frágiles, sádicos pero temerosos, que aspiran a compartir con alguien la soledad esencial en la que viven.

Hay ciertos encuentros personales más reglados que otros. Una entrevista es un claro caso de encuentro repleto de protocolos. Más aun una entrevista periodística. De un lado se debe anotar o grabar, estar atento, repreguntar; del otro, contar lo que sea que se cuente, intentando ser interesante. En el medio, un café, un agua mineral, tal vez una bebida alcohólica. Usando y a la vez pervirtiendo esa estructura tan rígida se desarrolla Entrevistas breves con hombres repulsivos, el corrosivo libro de relatos de David Foster Wallace que el director catalán Marc Caellas lleva a escena en la Fundación Tomás Eloy Martínez. Y si decimos “pervirtiendo” es porque precisamente en esas salvedades es donde estas entrevistas encuentran su atractivo, su distinción escénica. El libro de Wallace es uno de sus complejos aparatos literarios que enhebra relatos casi clásicos con monólogos confesionales de hombres cuya incomodidad con el mundo los vuelve horribles. El catalán Marc Caellas desprende estos monólogos intercalados en el libro entre cuentos y los reparte entre cinco personajes, que los van desplegando en distintos ambientes de un caserón de Almagro donde acaba de instalarse la Fundación. Palabras íntimas pero impúdicas que desnudan esas habitaciones mentales a las que nadie invita a nadie: miserias de conquista sexual, humillaciones innombrables, coartadas viles, perversiones descriptas y ejecutadas con la frialdad de quienes ya han dejado muy atrás la desesperación.

Primera salvedad de la adaptación: ni en el libro ni en la obra las preguntas se suceden. Los hombres en cuestión hablan muchísimo, se explayan en diversos temas; pero, en la obra, una entrevistadora se mantiene enigmática en el más absoluto silencio. Una mujer que es testigo, juez, pero no parte de todo. Segunda salvedad: en la obra no se trata de hombres repulsivos sino de escritores. Esa modificación hizo Marc Caellas al título de Foster Wallace y es la clave de su versión. Quienes actúan los textos del escritor americano no son actores sino hombres que escriben: Guillermo Piro, Lucas Oliveira, Martín Seijo, Esteban Feune de Colombi y Roni Bandini. La periodista es la periodista Ivana Romero. A ella le abrirán su neurotizado corazón en dosis pequeñas, pero letales.

Por más que no estén hablando de sus asuntos sino recitando un texto de ficción, su condición de escritores es un dato ineludible y, además, interesante. Estaríamos ante una tercera salvedad: el que habla en la entrevista entonces es tanto Foster Wallace como Martín Seijo (y Guillermo Piro y Lucas Oliveira...). Son escritores recitando a otro escritor. Marc Caellas explica: “Me parece que los escritores están hechos de una pasta especial y que hay cierta honestidad vital que, bien canalizada, es muy potente escénicamente. A cada escritor le propuse un texto y una manera de presentarlo en vivo. A partir de ahí, cada uno lo llevó a su terreno, lo tradujo a su propio lenguaje, lo filtró con su personalidad y de ahí salió lo que presentamos. Sospecho que sí, que estas entrevistas hablan también un poco de ellos y, por tanto, de sus creaciones literarias”.

Seguimos a estos hombres/escritores repulsivos por el espacio de la Fundación Tomás Eloy Martínez. Una de las entrevistas ocurre en la biblioteca, otra en el patio interno, otra en la terraza. Ahora bien: ¿qué dicen estos mentados hombres/escritores repulsivos una vez ubicados en estos espacios tan poco convencionales? He aquí tal vez la mayor peculiaridad de toda la adaptación: los escritores no hablan de literatura. Sus monólogos hablan más de vida que de obra. Los cinco hombres repulsivos tienen en común la honestidad con que narran sus conflictos. Hacen un helado strip-tease intelectual. Uno que describe pormenorizadamente cómo seduce mujeres para sus prácticas masoquistas, otro que deja a su novia por el miedo que ella le transmite a que él la deje, un tercero que explica cómo ser un gran amante a partir de la hipocresía progre. Y así. La imposibilidad de relacionarse que tienen la mayor parte de ellos, tanto con el sexo opuesto como con ellos mismos en profundidad, toma la escena construyendo una cartografía de los males emocionales del mundo contemporáneo.

Y esto es lo más aterrador. En tiempos de post-feminismo y teorías queer, cuando los géneros se redefinen, la masculinidad pareciera ser el género que más acríticamente lleva el yugo de su clase. ¿Pero esto es así? ¿Qué sucede “puertas adentro” de sus cabezas? Sobre esos sujetos perturbados reflexiona lúcidamente Foster Wallace. Navegando en mares de sarcasmo, construye estas historias en las que más de uno se verá reflejado.

El hecho de que la única mujer del espectáculo permanezca toda la función en un silencio sólo matizado por gestos sutiles podría incentivar una lectura errónea. Puede incomodar ese silencio tan pronunciado. Sin embargo, no hay en esto una intención sexista, casi diríamos que es al revés: el foco está puesto en la problemática de ellos; y como el que calla, otorga, con su mutismo chaplinesco la mujer subraya las patologías que estamos escuchando. Entre tanto escritor repulsivo, es ella –periodista– la que hace las preguntas, y a la vez la que ejerce la posición de poder, al guardarse la última palabra.

Aunque la última-última sea del espectador, claro. Porque es a él a quien intenta cooptar más hondamente, a través de sus rupturas, sus salvedades, esta obra. Porque, como siempre, se trata de ir al teatro y salir modificado.

Entrevistas breves con escritores repulsivos puede verse los viernes a las 21, en Fundación Tomás Eloy Martínez, Carlos Calvo 4319, P 1. Capacidad máxima: 30 personas, por orden de llegada.

Las aristas accidentadas de la verdadera naturaleza masculina

2011-11-10T06:36:00.001-08:00

Apareció en Critica teatral este análisis sobre la obra a cargo de Natalia Fernández Acquier

Entrevistas breves con escritores repulsivos

“(…) ¿Qué es la felicidad? Nada. Una palabra para designar algo que siempre ocurre en el pasado y, como siempre ocurre en el pasado, resulta que nunca ocurrió. Vale decir, no existe. Dos, el amor. El amor sí existe. Es una catástrofe, una calamidad, una peste letal como el cólera morbo. Es raro, eso sí (…) Es raro y monstruoso como el genio, y como él desdichado, condenado al dolor. ¿Quién lo dijo? Barrett. ¿Qué Barrett?: el único. Rafael. Un anarquista idéntico a Cristo y a mí cuando me deje la barba y si yo fuera rubio y alto y de ojos celestes (…) La esperanza. Muy bien. Al revés de la felicidad la esperanza sí existe. Existe porque está en el futuro, y si eso no lo dijo Pascal, debió decirlo (…) La mujer. Ahí va: la mujer es la casa del hombre (…) Y ahora que alguien me explique desde cuando hay otra agonía o batalla que no sea la que pasa por el cuerpo y otro sacrificio, y aun otra resurrección, que no sean los de la carne, desde cuándo hay otra desventura, angustia o tragedia que las que retuercen el corazón y las tripas, u otra hambre, otra sed, otro deseo que los que retuercen las tripas y el corazón, cuando cambiaron tanto las cosas como para que cualquier dolor humano, por mínimo que sea, no ponga en cuestión el universo entero y refute la impavidez de las estrellas (…)”.
Abelardo Castillo

Entrevistas breves con escritores repulsivos. El osado, controvertido y talentoso escritor David Foster Wallace. Un director y puestista catalán, Marc Caellas. Intuitivo. Avezado. Una periodista. Un puñado, muy interesante, de escritores. Teatro. El espacio escénico: la Fundación Tomás Eloy Martínez. Un lugar bellísimo donde se respira literatura y algo de la mística y la sobriedad del arte de las letras. En el primer piso hay un escritorio donde supo trabajar Borges, uno de los tantos, tal vez, que acompañó la distinción de sus trazos. Esta pieza, o la comunión de ellas, deviene elegante, intelectualmente atractiva, atrevida e insólita también. Pienso en la metáfora que me inspira lo breve, la personalidad efímera e inconstante de los vínculos, las promesas, los compromisos. La dificultad de comunicarse. La fragilidad de la verdad. Su límite. La verdad en tanto honestidad, afirmación de la realidad y su vinculación etimológica con la fidelidad. El lenguaje: el medio para expresarla. El hombre: su vehículo.
Ella. La mujer aquí es una y es todas. Su presencia, trabajada en inteligente despresencia, redescubre la fuerza del silencio como símbolo. Resignifica y subraya la palabra del otro y dice de lo inefable del amor. Dime que callas y el otro podrá decir. Y que diga, hasta el hartazgo. Funciona. Al paroxismo.
Ellos. Un hombre que se confiesa, dice, quiere decir, se explica, se describe, intenta hacerlo. Transfiere, en el plano de lo inconsciente claro, sus propios dolores, temores, inseguridades. Le habla a ella pero habla de él. Ella sufrirá, dice, pero el que sufre es él, a pesar, y tal vez en razón de, su seductor, al que ama y contra el que batalla ¿Narciso? La mirada de un hombre vanidoso. Y el costo, uno de tantos, de decir la verdad. La suya. Obvio.
Otro hombre, y otro lugar (todos serán otros: hombres y lugares). El sexo. Su motor. Su texto y pretexto. Su deseo. Su desprecio por el tedioso, a veces hipócrita, camino de la seducción. Su necesidad de clasificar, su manera de buscar, dominar. Propone. Devela su vicio. Defiende su gusto. Provoca. Despoja, despeja también, de mentiras el asunto. Desmaquilla. Pierde en su repulsiva discursividad ¿Frontalidad? Habrá con quien gane. Contrata. Siempre hay una clienta para un vendedor. Gallo o gallina; cada mujer dirá. O callará. Los tiempos modernos o el lado oscuro de los de siempre. Honestidad brutal.
Otro. Hombre también. La cama. Para él, el campo de batalla ¿Para todos ellos? Los estereotipos. El egoísmo ¿Cual? El gran amante. ¿Quién? Sexo, mentiras y verdad. Drogas. ¿Y la espontaneidad? No hay certezas. Ni fórmulas. Ni amor, ni dos que se aman. Dar y recibir. De a uno no funciona. Eso ya lo sabemos todos ¿Y de a dos sí? Dime a quién crees y te diré cómo y con quien duermes. “Nada se sabe, todo se imagina. Circúndate de rosas, ama, bebe. Y calla. Lo demás es nada”.
Otro hombre. Entre nosotros: hombres y mujeres, especie, raza, género, que más da. Espectadores y actores. ¿Cómo es no amar más? y ¿Cómo se dice? La confianza hace las veces de excusa. Vale, pero igual irrita. Exaspera. Desespera. No alcanza. La ironía se arma de palabras, muchas, todas juntas, desordenadas, verborreicas, ahí, saliendo de un caos para hacerse ¿otro caos? Culposas ellas-las palabras-culposo él-el hombre. Temerosas. Temidas también ¿Hasta dónde se puede hacer o dejar de hacer en nombre del amor? Y repito, ¿eso, cómo se dice? El silencio es sabio pero la verdad ahoga. Hay que decir aunque más no sea para sentir que no hemos podido hacerlo. “Paroles et encore des paroles que tu sèmes au vent. Que tu es Belle! Paroles et paroles et paroles”
Dos hombres ahora. Algo del principio de la obra, del comienzo de esta experiencia, se repite; o es el lugar o es la imagen de los dos hombres. No sé. Mi sensación es que todo vuelve a empezar. Todo. Y siempre. Sí, sí, el eterno retorno de Nietzsche. Ellos hablan de mujeres-generosas son las posibilidades del relato como género-hay encuentros, desencuentros, corazones rotos, burlas, prejuicios, compasión…El lado femenino del hombre. El relato es de quién lo cuenta. Maldita subjetividad. El final se insinúa abierto pero por alguna razón todos sabemos como termina. Todos los caminos conducen a Roma, dicen. Todas las historias terminan igual, digo yo, pero no porque todas ellas sean iguales (ni mucho menos nosotras). Igual puede ser diferente cada vez, como el sexo ponele.
Entrevistas breves con escritores repulsivos le da voz, cuerpo, escenario y geniales textos a las aristas accidentadas de la verdadera naturaleza masculina, o lo que la cultura ha hecho de ella, esa que preferimos no saber pero de la que algo sabemos. Para todo lo demás está el romanticismo. Incomoda, sí, pero de eso se trata. Creo.
El elenco lo conforman los escritores Roni Bandini, Lucas Oliveira, Martín Seijo, Esteban Feune de
Colombi, Guillermo Piro y la periodista Ivana Romero. Todos, con virtuosismo, componen esta experiencia teatral que desanda algo del vasto-conocido o por conocer-universo masculino. Se dice que los escritores no actúan. No es cierto. También se dice que los hombres son todos iguales. Tampoco es cierto ¿O si? Repulsión, revulsión-me gusta-atracción, aversión, seducción. Ficción.

Natalia Fernández Acquier

Fundación Tomás Eloy Martínez – Carlos Calvo 4319, piso 1º -
Viernes 21hs (Hasta el 16 de diciembre)

Reservas y compra anticipada: info@fundaciontem.org
Información: http://blog.fundaciontem.org/p/entrevistasbrevescon-escritores.html

Nota en Ñ sobre los Repulsivos

2011-11-04T12:48:00.000-07:00

En marccaellas.com se lee mejor...

Aquí el link a la versión digital de Ñ.

Entrevistas breves con escritores repulsivos

2011-10-28T14:37:00.000-07:00

El viernes 28 de octubre, en la Fundación Tomás Eloy Martínez, se estrenará para la prensa la obra Entrevistas breves con escritores repulsivos, una propuesta escénica del catalán Marc Caellas, basada en el libro de David Foster Wallace Entrevistas breves con hombres repulsivos.

El estreno para el público está previsto para el viernes 4 de noviembre y se extenderá hasta el viernes 16 de diciembre. La propuesta de Caellas, además de plantear la intervención de un espacio literario como lo es la Fundación TEM, consiste en usar un elenco formado íntegramente por escritores y periodistas culturales, a quienes entregó los textos elegidos y adaptados por él para que hicieran una segunda adaptación, según su propio estilo narrativo.

Sobre la obra, Marc Caellas nos dice: "David Foster Wallace pensaba que una obra de ficción es una conversación que permite enfrentarse a la soledad esencial que se da en el mundo. Preparando estas entrevistas breves nos hemos dado cuenta que, quizás, la tarea de la buena ficción sea la de dar calma a los perturbados y perturbar a los que están calmos. Ahora es el turno del espectador y a ver qué pasa, qué les pasa a ustedes".

Entrevistas breves con escritores repulsivos cuenta con la producción de la Fundación Tomás Eloy Martínez y el apoyo de la Oficina Cultural de la Embajada de España en Buenos Aires. El elenco está conformado por los escritores Roni Bandini, Lucas Oliveira, Martín Seijo, Esteban Feune de Colombi, Guillermo Piro y la periodista Ivana Romero.

Actos de bolañismo .doc

2011-06-21T13:24:00.000-07:00

Transcripción del texto publicado en la Revista Quimera, marzo 2011, analizando críticamente la puesta en escena de LOS CRÍTICOS TAMBIÉN LLORAN.

por Karina Sainz Borgo

Actos de bolañismo, o cómo cargarse una mesa redonda sin que parezca delito.

“Archimboldi está aquí -dijo Pelletier-, y nosotros estamos aquí, y esto es lo más cerca que jamás estaremos de él”. Roberto Bolaño. 2666

El teatro está convocado, aunque sin avisos que recuerden su existencia. Todo está solapado, encubierto, y quienes asisten asumen como verdaderas algunas condiciones: Que esto es una mesa redonda literaria. Que quienes participan en ella gozan de alguna licencia intelectual, sentimental o biográfica para hablar sobre Roberto Bolaño -el parricida del boom se ha convertido en un difunto de moda al que, ahora, le crecen por igual los inéditos y los amigos-. Que esto se trata de un acto culto, ajustado a la norma de los ceremoniales y los desenfados previstos en el repertorio de lo políticamente correcto.
En resumen, quienes asisten lo hacen confiados de las convenciones hasta ahora pactadas por el uso y la costumbre. De ahí el éxito anticipado –pero necesariamente finito- de Los críticos también lloran. Se trata, como sus organizadores dicen, de un “homenaje”, pero también de una conferencia adulterada, un asalto entre paréntesis, una novela escénica, un objeto portátil, de uso limitado y rápida caducidad debido su carácter efímero (se puede engañar una vez, quizás dos, pero llegar a la decena supondría, quizás, hacer la acción previsible).
Para ser prácticos y convertirlo en sujeto para una oración, Los críticos también lloran puede definirse como una puesta en escena dirigida por Marc Caellas e interpretada por cuatro escritores, Leo Felipe Campos (Venezuela), Jordi Carrión (España), Margarita Posada (Colombia) y José Tomás Angola (Venezuela). Hasta ahora, este proyecto -a mitad de camino entre la conferencia, la obra de teatro, el performance y el saboteo con pretensiones intelectuales- se ha representado en Bogotá (Colombia), en la Bienal de Literatura Mariano Picón Salas, en Mérida (Venezuela), así como en Barcelona (Casa de América), Madrid (Casa de América) y Estocolmo.
En ella, se supone, que los escritores deben sostener un debate acerca de la narrativa de Roberto Bolaño. Basándose en el mecanismo del humanista a tiempo completo y la lógica del bookstar, Los críticos también lloran debería jugar la carta de la mesa literaria como bingo cultural. En este formato, cada vez más repetido, el autor sustituye a su propia obra. El escritor pasa por encima de lo escrito. En el caso de Roberto Bolaño la propuesta de una conferencia en esos términos resultaba aún mucho más atractiva. De ahí la convocatoria; un señuelo perfecto.
Pero ni ésa es una mesa redonda ni los escritores se comportarían como tales. Ellos representan, mejor dicho, sustituyen en su papel a los cuatro investigadores protagonistas de La Parte de los Críticos, primer tramo de la novela 2666 de Roberto Bolaño. Así, Jean-Claude Pelletier (Leo Felipe Campos), Manuel Espinoza (Jordi Carrión), Liz Norton (Margarita Campos)y Piero Morini (José Tomás Angola), se remiten a contar su propia historia: la de cómo conocieron al escritor Benno Von Archimboldi, cómo coincidieron entre sí en sus investigaciones sobre el autor y los lazos extraliterarios –emocionales, obsesivos, eróticos- que fueron atándoles hasta llegar a la enloquecida búsqueda del escritor en Santa Teresa, eufemismo de Ciudad Juárez, a donde van a parar envueltos en una manta de polvo y locura.
Y si el público lo que espera es panegírico, otro inédito hallado por Herralde en la gaveta de una cómoda del chileno o la disertación sobre Ulises Lima en clave Nocilla, se topará de bruces con la voz de un hombre que habla sentado desde su silla de ruedas : “La primera vez que Leo Campos leyó a Benno von Archimboldi fue en la Navidad de 1990, en París, en donde curaba estudios universitarios de literatura, a la edad de 19 años. El libro en cuestión era D' Arsoval. El joven campos ignoraba entonces...”. En ese momento la mesa redonda es defenestrada y el teatro -o la novela- se abren paso en la sala. .
Aunque el texto de 2666 es el asiento conceptual del proyecto, Los críticos también lloran está basada en el libreto de la adaptación que hicieron Alex Rigola y el dramaturgo Pablo Ley para el teatro Lliure de la novela póstuma del chileno, además de un fuerte influjo de las ideas de Mario Bellatín, cuyo garfio duchampiano resplandece cual guiño en toda la puesta en escena.
A diferencia del épico montaje de Rígola, que escenificó las cinco partes de 2666, Los críticos también lloran toma de la apuesta de Rígola sólo la selección del texto y se aleja de planteamientos estéticos. Al contrario, se planta en preocupaciones más tácticas que retóricas. Utiliza lo esencial: el texto, el espacio y un tercer e indefinido elemento, el paréntesis donde coinciden el humor y el ensombrecimiento.
Los críticos también lloran funciona como una máquina sin telón, un artefacto portátil y mucho más efectivo donde el principal efecto es la apariencia de realidad. Una mesa de conferencia, cuatro micrófonos y cuatro sujetos que no se dedican a dramatizar, sino a narrar una novela. No es la acción, ni el conflicto representado. Lo que prevalece en Los críticos también lloran es la situación literaria contada mientras la novela se comunica con la obra o con el simulacro de obra.
A diferencia de cualquier adaptación, casi siempre sacrílega, esta representación se vale del texto para llevar lo escrito al mundo de la apariencia, sin artificios. Una vez en el asiento, puesta en marcha la “mesa redonda”, quienes han leído la novela, inmediatamente entrarán en ella y a través de ella. Quienes no, serán llevados de la mano. Sin distracciones. Sin información simultánea, ni escenografía, ni vestuario, ni caracterización. Sólo texto y voz. Sólo eso.
Los cuatro escritores, envueltos en la situación de una conferencia, narran. Y son interrumpidos en sus –a veces- indirectos diálogos por personajes –que a manera de voces sueltas en un coro- aparecen desde el público –la señora Bubis, el pintor Edwin Johns, Amalfitano- como recursos más narrativos que teatrales para romper con la monotonía. En este sentido, actúan más como mecanismos audiovisuales que escénicos.
Lo que parece una conferencia se vuelve una escena, y lo que debía ser una escena deja de ser acción en sí misma, para ser una situación. Lo teatral se subordina ante la oralidad de la escritura. Y aunque pudiese pensarse que la propuesta es democrática, no lo es. Nuevamente, aparenta una experiencia democrática, porque lo teatral ha sido convocado pero sin avisos que recuerden su existencia. La imprecisión del escenario no excluye sus dominios.
Por muy paródica o engañosa que resulte para quienes esperaban de ella un coloquio como tal, la mesa redonda no deja de ser un evento distante que juega la carta del peta zetas. Algo parece estallar, sin hacerlo realmente. Es cierto que Edwin Johns responde, escondiendo su mano manca, desde el fondo de la sala que de pronto se vuelve manicomio. Y es cierto, también, que la señora Bubis bebe un vodka en medio de un salón sembrado en la tercera fila del auditorio. Sin embargo, el lugar de la acción sigue siendo fijo, permanece en el texto.
La historia se separa del resto del espacio, se mantiene muy bien definida por la noción de marco que aleja a la estampa de quien la mira, reafirmando su condición de objeto de representación. La noción de límite –marco, pedestal- refuerza la puesta en escena, el gesto de quienes han cambiado de lugar esas páginas -las de 2666- y las han colocado en clave de performance en el lugar institucional del pretencioso –y defenestrado- escritor conferenciante.
Ese sencillo –y necio gesto de atorrancia o ingenio- refuerza la intención de Los críticos también lloran. Un autor como Roberto Bolaño, irónico por naturaleza, tiene la suficiente fuerza como para, a través de su texto, ocupar un espacio institucionalmente ritual, parodiarlo y lograr así, el doble efecto, es decir, que el humor se active y que el texto, en su sentido original, adquiera un peso aún mayor, debido a la concentración de pocos elementos bien ordenados. De ahí que la realidad sea esencial y suficiente, que no sea necesario nada más excepto la propia parodia de la mesa redonda, que genera, a la vez, un engaño y un nuevo sentido, un significado adicional mordaz, opaco, melancólico y furioso.
Paréntesis para el humor y ensombrecimiento
Cuando el periodista Demian Orosz le preguntó a Roberto Bolaño qué significaba para él su país de nacimiento, el reportero argentino utilizó exactamente estas palabras: “¿Qué representa Chile para usted? Parece que su país fuera un lugar que sólo le interesa visitar en su escritura, y eso más que nada para señalar zonas oscuras, esa porción de infierno que persiste allí”. El delgadísimo autor de Los detectives salvajes, siempre mordaz cuando de Chile o de Isabel Allende se trataba, comenzó al trote complaciente del reportero para luego dar un par de coces hilarantes:
“Bueno, la porción de infierno chilena es mi infancia y mi adolescencia. Y luego el Golpe de Estado. Pero me gusta la comida chilena. No sé si tú la has probado: es una comida bastante buena. Las empanadas, el pastel de choclo, las humitas, la cazuela chilena, los mariscos, que tal vez son los mejores que he comido jamás, esa salsa que allí llaman pebre y que es muy sencilla pero también muy eficaz, el charquicán, que es un plato que viene de antes de la Guerra de Independencia y que dicen que era el plato preferido de Manuel Rodríguez...”
El humor –y la ironía- en Bolaño es un ingrediente tan esencial en su literatura como la melancolía, la rabia triste o la poesía como “vida peligrosa”. Y es justamente en La parte de los críticos, armador de Los críticos también lloran, uno de los textos donde el mecanismo irónico se desliza de manera más natural de un personaje y de una situación a otra.
"La parte de los críticos es una burla elegante, mediante una narración sin pausa, de la rutina comercial y académica de la República Mundial de las Letras, de sus ritos y coloquios, de sus extenuantes traslados aéreos, del mercado editorial y de quienes viven para alimentarlo o derruirlo”, escribió Christopher Domínguez Michael el ejemplar de Letras Libres de abril de 2005 al referirse , justamente, al elemento cítrico con el que Bolaño conduce al cuarteto de críticos “entreverados erótica y profesionalmente ” a un estado tal de exceso que termina por llevarlos hasta Santa Teresa, trasunto de Ciudad Juárez, el lugar que Bolaño coloca como punto ciego del universo.
Es ésa, justamente, una de las pocas ocasiones de la representación en las que el lector convertido en espectador, no el que lee 2666 sino el que presencia Los críticos también lloran, siente un salto. La puesta en escena viene de relatarnos la alternancia de alcobas en Madrid, Londres y París, un juego de voces que opone la vitalidad, la locura y la pulsión de lo erótico a la resignación, la que invade primero a Morini y luego a los otros tres profesores, aplastados por el peso la búsqueda infructuosa de Archimboldi en Santa Teresa. Es allí donde al humor le sobreviene el ensombrecimiento, el bolañismo desesperado que se resiste a toda apariencia que no sea su propia naturaleza escrita.
Justo en ese salto, Los críticos también lloran clava las espuelas en el costado del texto. Quizás porque comience a arrojar luz sobre muchos aspectos que quizás Bolaño prefirió ensombrecer y demorar, como la propia Santa Teresa y su realidad aplastante, un lugar cuya textura llega a parecerse, incluso, a esa geografía que Bolaño llamó “el territorio del riesgo”:
“Para mí la literatura traspasa el espacio de la página llena de letras y frases y se instala en el territorio del riesgo, yo diría del riesgo permanente. La literatura se instala en el territorio de las colisiones y los desastres, en aquello que Pascal llamaba, si mal no recuerdo, el paréntesis, que es la existencia de cada individuo, rodeado de nada antes del principio y después del final”. 2
Las posibilidades de ese paréntesis son el producto resultante del martillazo que, en nombre del teatro o la provocación, Marc Caellas ha dado a la rígida tabla de la mesa redonda literaria. Una vez finalizada la puesta en escena, cuando Pelletier y Espinoza reparan en su extravío y en el del propio Archimboldi, el final se precipita. La sala entera enmudece. Aplaude después, aunque todavía parece muda sin saber si preguntar o no algo. Quedan en el aire tantas permutaciones como astillas o individuos. ¿Parodiar, provocar? No. Son los actos de bolañismo, abriéndose paso.

Actos de Bolañismo

2011-03-15T02:52:00.001-07:00

Un texto de Karina Sáinz Borgo publicado en la revista Quimera (marzo 2011).
La crítica de los críticos!

teatro pós-crítico

2011-01-23T07:35:00.000-08:00

2 meses después, nos llegan ecos de nuestro paso por Brasil.
En este blog sobre arte, literatura y fútbol comentan LOS CRÍTICOS TAMBIÉN LLORAN.
La foto que preside este post, "mad men style", fue tomada en el Goethe Institute de Sao Paulo, durante la charla de Marcelo Carneiro da Cunha.

TEATRO PÓS-CRÍTICO

Há dois meses passou pelo Brasil uma peça curiosa, intitulada Los criticos también lloran, cuja idéia consiste em se apropriar da primeira das cinco partes do romance de Roberto Bolaño, 2666, composta por quatro críticos - três homens e uma mulher - especialistas em um escritor fictício, Benno von Archimboldi. Digo curiosa porque a peça, dirigida pelo espanhol Marc Caellas, adapta o texto, digamos, através também de seu formato: uma mesa redonda com quatro escritores, e não atores, que dizem o texto de Bolaño como se fossem - talvez - eles próprios. De fato, a peça torna-se um híbrido, com seu gênero instável, exatamente entre performance literária e teatro: por um lado, não se pode dizer que se trata apenas de uma leitura do romance de Bolaño, já que está em jogo toda uma mise-en-scène que vai da construção de um cenário à adaptação do texto, que passou da narração em terceira pessoa para uma espécie de diálogo; por outro, não se pode dizer que é teatro, pelo menos em sentido estrito - trata-se, sim, de um teatro expandido, mas também de literatura expandida - já que, a todo tempo, aparece explícito que a única atuação em jogo diz respeito ao próprio espetáculo da literatura contemporânea: o escritor é (e não é) um ator.

A peça começa com as seguintes palavras, ditas por José Tomas Angola, um dos escritores da mesa, diante de um microfone e do público: "A primeira vez que Leo Campos leu a Benno von Archimboldi ...." - a saber, Tomas Angola repete a primeira frase do romance de Bolaño, exatamente como está no original, mas altera o nome de Jean Claude Pelletier, o personagem de 2666, pelo nome de Leo Campos, outro escritor que está na mesa, ao lado de Jorge Carrión e Margarita Posada, e continua: "... foi no Natal de 2000, em Paris", alterando agora o ano de 1980, original do romance, pelo ano de 2000. Em outras palavras, na peça de Marc Caellas, sem nenhuma histeria, ao que parece, se sobrepõem dois níveis de discurso que, em absoluto, não se separam, atribuindo ao trabalho um interesse que vai um pouco além de Bolaño. O próprio título da peça, Los críticos también lloran, que não vem de 2666, mas de uma invenção provavelmente do diretor, parece dar a última pista sobre tudo isso, afinal: a lágrima, paradigma da encenação, do falso, já não é mais exclusiva dos atores.

Los Críticos en la Folha de Sao Paulo

2010-11-25T04:33:00.001-08:00

En este link también la noticia on-line

Una estrategia para Bolaño

2010-11-25T01:39:00.001-08:00

Buenos comentarios a nuestro paso por Brasil. En el blog Cafeinee nos cuentan sus sensaciones. Copio y pego el texto a continuación. Aquí un magnífico álbum de fotos. Muchas gracias a todos los que estuvieron en el acogedor Teatro da Vila. A gente se fala!

Uma estratégia para Bolaño

Vá a uma mesa-redonda e tenha um orgasmo. Tudo bem que não chega a ser orgástica, mas a performance Los Críticos También Lloran brinca habilmente com o sonífero formato dos simpósios e debates formais. E, como brincadeiras bem conduzidas podem ser excitantes, o texto do espanhol Marc Caellas em homenagem ao escritor chileno Roberto Bolaño consegue chegar a esse ponto.

A montagem integrou a programação da Balada Literária, em São Paulo, no último final de semana. O texto é baseado no romance póstumo 2666, de Bolaño, no trecho em que quatro escritores aficionados por literatura alemã partem em busca do oculto autor Benno Von Archimboldi.

A cereja de Caellas é dirigir escritores de verdade em vez de atores. Os venezuelanos José Tomás Angola e Leo Felipe Campos, a colombiana Margarita Posada e o espanhol Jorge Carrión se prestam ao delicioso papel e o efeito é o já descrito nas primeiras linhas.

No Teatro da Vila, onde fizeram Los Críticos... no sábado, a estratégia começou antes mesmo da apresentação, com os “atores” conversando lá fora, na entrada do prédio, enquanto o público chegava.

Incautos podem duvidar se todo o exposto é verídico ou devaneio – o que também é excitante. Uma mulher chegou a perguntar se aquilo tudo era verdade. Mas aí eu também duvido de que a participação dela tenha sido espontânea. Pode muito bem ter sido mais um ato estratégico na homenagem a Bolaño.

Os críticos também choram (gira brasileña 2)

2010-11-02T08:44:00.001-07:00

Y gracias a Noemí Oliva, que ya nos vio en Estocolmo, y al Instituto Cervantes, aprovecharemos el viaje a Brasil y nos presentaremos en Río de Janeiro.

Lunes 22 de noviembre
19 horas
Auditório do Instituto Cervantes de Botafogo

Más información aquí.

Os críticos também choram (gira brasileña 1)

2010-11-02T03:33:00.000-07:00

Gracias a los buenos oficios de Marcelo Carneiro y de Marcelino Freire, estaremos en la Balada Literaria de Sao Paulo presentando nuestro particular homenaje a Roberto Bolaño.

Aquí un magnífico texto de Leo Campos sobre la Balada y sobre el proyecto.

Sábado 20 de noviembre
20h30 - Teatro da Vila
Sao Paulo

Performance literária "Los Críticos También LLoran" [foto abaixo],
em homenagem ao escritor chileno ROBERTO BOLAÑO

No elenco, dirigido pelo espanhol MARC CAELLAS,
os escritores/atores LEO FELIPE CAMPOS [da Venezuela],
JOSÉ TOMÁS ANGOLA [da Venezuela],
JORGE CARRIÓN [da Espanha]
e MARGARIDA POSADA [da Colômbia]

Aquí se puede consultar toda la programación
http://baladaliteraria.zip.net/

De Estocolmo a La Paz, los puentes de Bolaño...

2010-09-08T04:20:00.000-07:00

Copio y pego una nota aparecida en La Razón (el diaro nacional de Bolivia) sobre la presentación de LOS CRÍTICOS TAMBIÉN LLORAN en Estocolmo.

Los Críticos también lloran (homenaje a Bolaño)
por Carlos Decker-Molina

Fui a escuchar una mesa redonda sobre la obra del escritor chileno Roberto Bolaño, empaquetada en una paradoja: “El escritor, para crear, necesita de la soledad; para vender requiere de una multitud”. Pensé en un ataque velado o abierto a la literatura hamburguesa tan querida por las multitudes ilustradas pero sin ilustración; me equivoqué.

Lo que plantea Marc Caellas, autor de la performance Los críticos también lloran (homenaje a Bolaño), es darle vida propia a la primera parte de la novela del chileno con la complicidad de cuatro escritores que buscan en serio a Benno von Archimboldi, personaje de la obra cumbre de Roberto Bolaño, 2666.

El performance se estrenó en Bogotá, estuvo en la Casa de América de Cataluña, luego pasó a un escenario madrileño y finalmente llegó a Estocolmo a la sala del Instituto Cervantes. Los que allí estuvimos quedamos encandilados por el relato de los cuatro personajes que inician la búsqueda del escritor Archimboldi, el personaje “ausente” de 2666. En el texto de Bolaño los personajes que se encuentran en un congreso, y que coinciden en su interés por la obra de Archimboldi, son Peletier, Moroni, Espinoza y Norton.

En la performance son Jorge Carrión, escritor y ensayista de Tarragona; Leo Campos, autor venezolano de la novela Sexo en mi pueblo; José Tomás Angola, escritor y dramaturgo, poeta y narrador nacido en Caracas, y la colombiana Margarita Posada, periodista y escritora. Cada uno de ellos asume el rol de los personajes de la novela póstuma de Bolaño, pero manteniendo sus nombres propios lo que le da credibilidad al performance.

Como esta nota la estoy escribiendo para un medio allende a la cordillera de los Andes, no se trata de comentar o reseñar el performance sino de hacerles saber que el arte no se detiene en la búsqueda de nuevas expresiones.

Produce híbridos como Los críticos también lloran, donde se mezcla el arte escénico —sin llegar a ser teatro—con la literatura “hablada” que se apodera magistralmente de un texto ajeno. Magistralmente porque el texto es magistral. Escuchar y ver a los cuatro escritores —huelga decir que no son actores— es volver a la novela de una manera diferente y eso no se puede hacer con todas las novelas, ni siquiera con todas las de Bolaño. Tal vez la estructura de 2666 se ofrece para el híbrido, aunque pienso que Detectives salvajes también podría darse, aunque sin la soltura de la obra póstuma.

No sé si le habría gustado a Bolaño ver y escuchar su obra en una performance porque el escritor cultivó —con paciencia de jardinero— su propio mito, el del outsider, el despatriado con identidades dispersas; el hombre global, el incorrecto político y el cínico inteligente del postideologismo. Al mismo tiempo, los parámetros del mito le sirvieron para escribir obras inolvidables y mostrar con sus textos que alguien de la periferia podía inventar muchas historias y escribir, por ejemplo, la biografía de Archimboldi cuando fue soldado de la Segunda Guerra Mundial. Sin duda, Bolaño está más cerca a Rayuela que a Cien años de soledad.

Así como Rayuela destrozó los viejos esquemas, la búsqueda de Benno von Archimboldi es también una ruptura al extremo que sigue vigente la indagación. ¿Tal vez Archimboldi esté radicado en el altiplano de Bolivia?, quién sabe. A Bolaño es difícil de imitarlo, no lo intenten, porque de hacerlo no alcanzarían a ser sino ridículos bolañitos.

Hago votos porque el grupo de Marc Caellas llegue a los espacios culturales de Bolivia. O que esta nota inspire a otros creadores.

La presente nota fue escrita y enviada por el autor desde Suecia.

El escritor, fuera de su espacio

La propuesta del español Marc Caellas piensa a los escritores fuera de su ámbito tradicional (el estudio, el escritorio), según explicó Jorge Carrión, quien participó de la propuesta.

Imágenes del estreno de HABEROS QUEDADO EN CASA, CAPULLOS! en el FITBH

2010-08-14T06:23:00.001-07:00

Fotografías de Guto Muniz, muito obrigado!

www.gutomuniz.com.br
twitter: @gutomuniz_foto
(31)9973-7341
SKYPE: gutomuniz.foto

¡Haberos Quedado en Casa Capullos! en el Festival de Belo Horizonte

2010-07-22T10:12:00.001-07:00

Los Capullos se van a Brasil en agosto.
Tenemos 3 presentaciones los días 13-14-15 de agosto en el Museu Histórico Abílio Barreto (MHAB).
A las 16.30 horas.
En el marco del 10º Festival Internacional de Teatro Palco&Rua, el FITBH.
Más información en este link.
Próximamente fotos y crónicas del festival.
Los esperamos!

Los críticos también "follan"

2010-07-05T09:54:00.000-07:00

Carlos Manuel Estefanía, un cubano afincado en Estocolmo, responsable de la revista Cubanuestra, escritor, periodista, filósofo y no sé cuántas cosas más, ha tenido la gentileza de regalarnos esta estupenda crónica de nuestra presentación en Estocolmo. La copio a continuación. Para leerla con imágenes, aquí en su blog. Acompaño el texto con una foto con Irene Zoe Alameda, directora del Instituto Cervantes de Estocolmo y a quién debemos nuestra presentación allí.

LOS CRÍTICOS TAMBIÉN "FOLLAN": COMENTANDO UNA PUESTA EN EL CERVANTES
Así, incluyendo ese verbo que fuera de España tan poco connota entre los propios hispanoparlantes, debió titularse el performance, que bajo la dirección de Marc Caellas, pudimos disfrutar en el Auditorio del Instituto Cervantes el 17 de junio del 2010. Una propuesta cultural, que si no la mejor por lo menos fue la más divertida, de cuanto nos ofreció este verano en sus locales de Estocolmo, esa, la mayor institución mundial dedicada a la enseñanza del nuestro idioma, Premio Príncipe de Asturias en 2005 en la categoría de Comunicación y Humanidades.

¿De que se trata?. De parodiar esa otra institución que el Panel, la mesa redonda, o en otras palabras la rampa de lanzamiento donde se demuestra, que los escritores, ya sean de ficción o de otro género, como, en este caso, el de la critica literaria, son resultado de algo más que de su talento para escribir, de su capacidad para emular a los actores, por cierto donde estén los escritores que participaron de este espectáculo que se quiten los actores.

Para que se les reconozca, para que se les publique y sobretodo para que su obra se venda tienen que ser figuaras mediaticas, participar en una confluencia, con quienes vienes de la otra dirección figuras de los medios devenidos en escritores, ahí tenemos los casos, en la televisión hispana de las Américas de Jaime Bayly, y en la televisión española Boris Izaguirre, quienes han resultado en muchos casos asombrosamente mejores, en sus creaciones, que en las “personas” que encarnan ante las cámaras.

“Los Críticos también lloran”, es interesante en muchos sentidos, (Homenaje a Bolaño) en primer lugar porque al no usar actores profesionales, sino escritores, es usar como materia prima para esta actividad teatral, demuestra, mas que el talento de los cuatro implicados, el entrenamiento al que sus respectivas vidas sobre las tablas de la escritura les ha sometido, esto sin negar la indiscutible capacidad de Marc Caellas, para sacar de ellos lo mejor.

Pero la reflexión no se queda en el rol del escritor, va mas allá, para cuestionar el contenido y formato con que los escritores son proyectados, acto el público, donde en franca competencia con las revistas y programas del corazón estos revelan intimidades, totalmente irrelevantes -por no decir impertinentes- a la hora de analizar la obra literaria, en este caso se tratará de sacar a la luz, las mas profundas pasiones, deseos, erotismos que mueven a los personaje y en resumen la promiscuidad sexual que los une, algo que por demás no resulta nada raro dentro del mundo intelectual -ni fuera de él convengamos- y quien lo dude que le pregunta a esos dos paradigmas que fuero Jean Paul Sartre y Simón de Beauvoir.

Una promiscuidad, que como anticipación, totalmente inconexa con el performance, defendió como un valor, Ivan de la Nuez, meses atrás, durante su paso por el propio Cervantes.

Hay que reconocer la habilidad de el director para adaptarse al terreno, valiéndose de lo que tiene a mano, como por ejemplo el uso de la apariencia típicamente germana de la joven recepcionista del Cervantes, a quien dio un breve papel en el que la chica se lució como actriz y aprendiz de español como lengua extranjera.

Con la voz de esta chica sueca, la del propio Caellas, y por supuesto la de los cuatro escritores que participan en la obra; José Tomás Angola (Venezuela), Leo Campos (Venezuela), Jordi Carrión (España) y Margarita Posada (Colombia) se consigue un colorido de acentos, que tiene “lo suyo”, esto por no decir lo buen que acoplan dos venezolanos, un español, y una colombiana, en el uso, tanto de su idioma común, como en el de un tanto más sofisticado que es el metalenguaje de la crítica literaria

El performance, aunque quizas no se lo proponga, es en primera instancia o conscientemente, un homenaje al gran imperio de nuestra lengua, como lo es sin duda alguna a ese destacado creador dentro de ella, tempranamente desaparecido que fue Roberto Bolaños.(Santiago de Chile, 28 de abril de 1953 – Barcelona, 15 de julio de 2003).

Fundador de el movimiento poético infrarrealista, nacido en las tertulias en el Café La Habana de la calle Bucareli, de ciudad méxico, como una insurgencia a los que representaba la figura de Octavio Paz, el escritor y poeta chileno que recibió en 1999 el Premio Rómulo Gallegos por su novela Los detectives salvajes, la cual también recibió del Premio Herralde de Novela en su edición de 1998, consagrado por la desgracia glorificadora que significa la muerte prematura, Bolaños se ha convertido en todo un ídolo de las mas jóvenes horneadas, más jóvenes de lo que fue al morir, de escritores hispano americanos.

Particularmente alabada resulta su obra póstuma “2666″, publicada en 2004. Es la primera parte de esta obra la que ha sido adaptada para el teatro por Alex Rigola y Pablo Ley, adaptación que a su vez sirve de fundamento al espectáculo teatral del que disfrutamos, cuatro profesores de literatura, Pelletier, francés; Espinoza, español; Morini, italiano; y Liz Norton. inglesa. obsesionados con otro personaje mítico, Benno Von Archimboldi. Un relato que no deja de evocar a pesar de las diferencias de género aquel célebre Johann Sebastian Mastropiero, creado por Les Luthiers en 1968.

En lo personal fue grato indagar por la creación de los “panelistas” una vez terminada la presentación e iniciado el auténtico Panel -ante el cual el público se hallaba paralizado, atrapado por la ficción- descubrir en Leo Campos un estudioso del fenómenos de las blogosfera cubana, y reencontrarme con ellos al otro día en la celebración de la jornada mundial del castellano, oportunidad que aproveché para charlar nuevamente con los miembros del grupo y obsequiarle a cada uno de los actores y a su director dos ejemplares de la revista Cuba Nuestra.

Y me ha parecido muy agudo el sentido del humor de Marc Caellas, quien con la malicia de Woody Allen me ha contado de las confusiones creada por la muestra en otros escenarios, por ejemplo en Colombia, donde Margarita Posada, escribía columna de sexo, bajo el seudónimo de Conchita y donde los espectadores creyeron que todo lo que se contaba en la historia, amen de absurdo era real, algo que dice mucho y bien de este proyecto teatral, el mismo que le ha servido al Cervantes de Estocolmo para ir cerrando con broche su programación de actividades culturales, en esta temporada.

Mario Duarte no es de ese mundo

2010-04-24T14:43:00.000-07:00

Albinson Linares es un periodista venezolano. Además es un gran tipo. Y lo mejor es que es amigo mío, alto pana que dicen en la república bolivariana. Albinson asistió al taller que la Fundación de Nuevo Periodismo Iberoamericano organizó con motivo del reciente Festival de Teatro. Julio Villanueva Chang fue el maestro y a mí me asignaron el rol de experto académico, papel que desempeñé con entusiasmo y alegría interior. Fue un lujo asistir a las sesiones y conocer al combo argentino, Mercedes y Mauro, y poder escuchar a Julio en primera fila. Albinson vio HABEROS QUEDADO EN CASA CAPULLOS! un par de veces, persiguió a Mario Duarte, amigo y actor de la obra, por media Bogotá y escribió esta buena crónica de todo ello. Gracias.

Esa tarde del marzo pasado, en un departamento del barrio bogotano de La Macarena, algo torturaba al ex tonto socarrón de Betty, la Fea. Mario Duarte sintió miedo y recordó cuando le tocó encarnar a Nicolás Mora, y no se lo contó a nadie porque le daba pena. Los aplausos de la treintena de espectadores del Festival Iberoamericano de Teatro que lo vieron en la obra ¡Haberos quedado en casa, capullos! no llenaban el vacío que sentía en la boca del estómago. En la pieza encarna a un padre que se sienta junto a su hijo para iniciar una diatriba sobre los límites de la libertad, el ocio lúdico, los riesgos de perder la vida en el trabajo y las constantes memorias de su niñez.

¡Haberos quedado en casa, capullos! es una serie de cuatro monólogos celebrados en sendos escenarios de este barrio surcado por estrechas callejuelas en las que abundan bares, bistrós y trattorias. Los 35 espectadores de cada interpretación ven a los actores a su lado, sentados en una barra, vociferando en la calle a través de las ventanas de un edificio o sentados frente a ellos en el living de un departamento.

La cacareada distancia de las tablas, el preciado estrado que eleva a los actores hacia las musas es abolido. Derredor suyo cada intérprete está cercado por la mirada impertinente, fija, obsesiva del público que es parte del escenario, de la puesta en escena.

Mario le pone punto final, es responsable del sabor de boca que el público se lleva a casa. Baja las escaleras, envarado y somnoliento. Se sienta frente a su “hijo”, abre una cerveza águila fría y exclama: “No vas al colegio mañana. Vas a salir a ganarte la vida. Y vas a conocer lo que significa ganarse la vida ahora; así, cuando seas mayor, te puedes reír de todas las formas de ganarse la vida. Sobre todo de las honradas. Que son las que más risa dan”. Entonces se inicia un descenso hacia los infiernos. Una catarsis final donde no hay violencia, sólo retazos de recuerdos tiernos mezclados con desencanto puro, con la furia fría.

En la tragedia occidental es un tema recurrente que a un hombre le sea dado pronunciar un discurso antes de morir. Aunque en nada varía su destino, se le permite maldecir al fatum y a los dioses largamente. Esa potente mezcla de narcosis narrativa, borrachera digresiva y delirantes juicios que arrancan carcajadas es lo que experimenta el público en esta obra.

Pero esa tarde Mario se percató de que el niño con el que trabajaba había cambiado. En 16 meses pasó de ser un chiquillo lector, aplicado en cada escena, a un jovencísimo rockero que lo miraba desafiante, retándolo como si fuese su padre real. Recordándole que él también miraba así a su edad, antes de que la vorágine del rock lo sacara de casa.

“¡Ah, es eso, carajo!, con razón”, exclama el actor al sentarse en una poltrona luego de dilucidar junto a Marc Caellas, uno de los directores de la obra, los motivos de su reciente desazón. Cargado con el temperamento de su personaje agita los hombros y habla con dos chicas. Bromea y las hace reír mientras todos ven el atardecer sangriento de esta Bogotá encapotada. Una rubia dice que le encantaría que lloviese y salir por las calles de La Macarena recitando Shakespeare. Quizá quiere ser una de las hijas del Rey Lear.

“Hago teatro porque me encanto con las cosas. A veces no hay planes pero la gente se empeña en creer que sí. Voy a sentarme unos minutos tranquilo, para pensar mejor y ya vuelvo”, dice Mario y se aleja. Un viejo de barba con cierto aire solemne apura un trago y exclama con crudo acento paisa antes de irse: “Lo de Mario es fuerte porque tiene al público cerquita. Él los siente, los ve y muchas veces no le gusta lo que ve. Los actores olvidan que el público es su espejo y a medio metro es imposible no verlos”. Era el guionista Alberto Quiroga.

Al fondo de la sala el intérprete sorbe con lentitud una cerveza como para sacarse de encima la sombra del padre que acaba de encarnar. O el pánico leve de tener un hijo rebelde.

Los miedos y las crisis de nervios son lujos que los actores pagan caro, como bien saben los terapistas. Y Mario Duarte lleva más de 20 años buscándose entre los escenarios y los divanes freudianos. Por esos días en que Bogotá se estremecía con la dramaturgia se prescribió una dosis tóxica de actuación que rebasaba las 14 horas diarias. En las mañanas acudía a las grabaciones de Amor en Custodia, telenovela donde encarna a Tango, un guardaespaldas de muy malas pulgas. En las tardes actuaba en su monólogo y por las noches era un espectador más del Festival Iberoamericano de Teatro.

Desde 1988, cada dos años Bogotá es tomada por decenas de grupos provenientes de los cinco continentes. Asediada por las tablas que lo invaden todo: teatros, museos, aceras, y calles, la ciudad se deja conquistar durante 18 días. Este 2010, más de 120 compañías de 32 países visitaron la capital colombiana atestada de amantes del teatro que peregrinaron desde los más diversos rincones geográficos. Esto explica el rostro avaro y plácido con el que Mario Duarte mira sus boletas para la función de esta noche. Se trata de La Odisea montada por el grupo de Teatro de los Andes.

“Me encanta el teatro. Creo que se debe a mi corta experiencia en estos trabajos actorales y en la música. En los proyectos artísticos hay una necesidad propia del que lo crea o ejecuta y otra del que lo va a recibir. Siento que se conjugan cuando una sociedad lo necesita”, explica con llaneza al tiempo que mira el brillo del reverso de las boletas.

En su departamento campean los libros y discos, en un espacio generoso revestido de madera y pisos de parquet. La casa del actor parece un vasto camarote bien provisto de literatura y música donde se resguarda del naufragio cotidiano. Su director y amigo Marc Caellas suele hablar sobre la profunda inmersión que Duarte logra en cada rol. Sin llegar a la esquizofrenia stanislavskiana, deja mucha piel en las tablas. Roza los límites de cada personaje y exaspera el carácter heredado, quizá de esa otra vida en la que fatigaba las noches bogotanas cantando. Sin trazas de la mala leche catalana que lo distingue, el director asevera: “En Mario nada es tan obvio. Una cosa es la imagen que le han creado los medios y otra como es él realmente. Una persona que se pone retos, que se exige mucho, que se implica en el proceso creativo y que no se cree el rol de estrella que le han asignado”.

(la continuación acá...)
http://prodavinci.com/2010/04/24/mario-duarte-no-es-de-este-mundo/

Fotos montaje HABEROS QUEDADO EN CASA CAPULLOS! (escena 3)

2010-04-19T11:45:00.000-07:00

fotos montaje HABEROS QUEDADO EN CASA CAPULLOS! (escena 2)

2010-04-19T11:38:00.001-07:00

Fotos montaje HABEROS QUEDADO EN CASA CAPULLOS! (escena 1) Festival Bogotá

2010-04-19T11:34:00.001-07:00

Los Capullos en RADAR

2010-04-12T02:43:00.000-07:00

Mercedes Halfon escribe para Radar su visión del Festival Iberoamericano de Bogotá. Para leer el artículo completo aquí. Nos incluye entre las cinco obras destacadas del Festival. Gracias!

radar

Domingo, 11 de abril de 2010

TEATRO > LO MEJOR DEL FESTIVAL DE TEATRO DE BOGOTA
La ciudad de Mikey

Por Mercedes Halfon

Desde Bogota

Es raro que un programador sea el protagonista de un evento. Pero eso sucede con el Festival Iberoamericano de Bogotá. Su creadora y directora, Fanny Mikey, una actriz argentina radicada en Colombia a fines de los ’50, es el icono indiscutido de la fiesta. Fanny murió el año pasado, pero eso no cambia nada. Un muñeco de ocho metros y cuatrocientos kilos manejado por veinte titiriteros la recrea en el desfile inaugural, su cabello rojo flúo y sus piernas míticas son el logo del festival y aparecen como una estampita religiosa flameando en afiches, banderas y flyers en cada rincón de la ciudad.

Hay razones para amar a Fanny. Fue ella la que pergeñó esta fiesta gigantesca en un país castigado por la violencia, la que llevó al glamour tropical a sus puntos más altos, la que le dio a Colombia una identidad cultural teatrera y cosmopolita. Por supuesto, circulan cientos de historias sobre ella. Se dice, por ejemplo, que antes de cada nueva edición llamaba a un chamán indígena para que hiciera un ritual para que no lloviera durante esos días. Que fue capaz de llevar adelante el festival aun después de que pusieran una bomba en el Teatro Nacional, y no le tembló el pulso al hablar con el presidente de Colombia para exigirle más apoyo, y gritarle eso de que the show must go on. Que era amiga de cuanta celebridad pisaba Colombia, y que junto a ellos festejaba cada cierre del evento en Fama, su isla privada. Una mujer que se maquilló hasta casi los ochenta años tres veces al día, siempre con el mismo artesano del rouge, pero cuando la sorprendieron en esa tarea escondió a su amigo y confidente en un armario.

Con su afro rojo característico y su debilidad por la rumba, Fanny creó ese Festival Teatral hiperbólico, caluroso y colorido. El más grande de America.

A diferencia de lo que sucede con nuestro Festival Internacional de Teatro local, en Bogotá hay tantos espectáculos callejeros –en plazas, en veredas, itinerantes– como espectáculos en salas. Los espacios considerados no-teatrales no son la excepción sino casi la norma. Por eso las artes escénicas como el circo, el clown o el teatro de calle ocupan un lugar privilegiado en la programación. Así fue como se pudo ver desde una impactante versión polaca de Macbeth con motos a altas velocidades y fuego en una plaza, hasta un elenco de clowns que tomaron la forma de la omnipresente Fanny Mikey e iban paseándose por las distintas sedes del festival como clones de la actriz, sorprendiendo a incautos o simplemente posando para la foto. La mezcla de disciplinas reinante llegó a su paroxismo con el Circo Colombia, un circo tradicional con payasos y acróbatas aéreos, sólo que hecho por militares profesionales del ejército colombiano.

De las más de ochenta compañías de cuarenta países que hicieron funciones podrían escribirse libros enteros. Y como en todos los festivales: es imposible ver todo. Pero algunos de los espectáculos que se presentaron durante esos vertiginosos días produjeron la sana envidia de lo que sería bueno hacer, o por lo menos ver de nuevo en Buenos Aires.

...

¡HABEROS QUEDADO EN CASA, CAPULLOS!

Una panorámica de la ciudad en manos de un argentino

Un chico con una credencial del Festival de Teatro de Bogotá espera en una esquina con un paraguas abierto. No llueve, sin embargo la gente se acerca y espera porque sabe que algo va a pasar. Está a punto de comenzar Haberos quedado en casa, capullos, una singular pieza teatral que sucede en cuatro escenarios del barrio La Macarena, justo en el corazón de Bogotá.

Treinta y cinco espectadores realizan un recorrido por distintos interiores y exteriores. La obra se inicia con un exaltado monólogo femenino en un rincón de un parque, continúa en la barra de un bar donde otra mujer habla, dando cuenta de las bebidas existentes. Los espectadores siguen su camino hacia un edificio cercano y, desde la ventana de un apartamento en el segundo piso, son testigos de la aparición repentina de un hombre en la calle que da un discurso sobre las palizas que reciben los mendigos. En el mismo apartamento más tarde, un niño intenta leer mientras su padre le da extrañas lecciones de vida. Este último personaje es interpretado por una rara y famosa avis colombiana: Mario Duarte, un ex rockero under devenido antigalán de Betty La fea y ahora vuelto al teatro.

Los directores de la pieza son el colombiano Manuel Orjuela y el español Marc Caellas, quienes se fascinaron con el texto de Rodrigo García, un argentino radicado en Madrid. García es famoso en Europa con su compañía Carnicería Teatro, y casi desconocido en nuestro país. Algo que debe ser urgentemente corregido.

2010-04-09T03:33:00.000-07:00

La Obra

¡Haberos quedado en casa capullos!
De manera insólita y sorprendente, esta obra sucede en cuatro escenarios del barrio La Macarena, en el centro de Bogotá. Treinta y cinco espectadores son invitados a realizar un recorrido por distintos lugares del barrio, el cual inicia en un rincón de un parque con un monólogo de Jimena Durán. La obra continúa en un restaurante, y allí, en la barra, Patricia Tamayo levanta la voz, con claros síntomas de ebriedad, mientras a su lado alguien duerme otra borrachera. Los espectadores siguen su camino hacia un edificio cercano y, desde la ventana de un apartamento en el segundo piso, son testigos de la aparición repentina de un hombre en la calle que da un discurso sobre las palizas que reciben los pordioseros o mendigos.

En el mismo apartamentoy cuando el tipo desaparece de la calle, un niño lee juiciosamente en la sala, mientras su padre, (nterpretado por Mario Duarte), le habla en un último monólogo, en el cual se entremezclan recuerdos de su niñez con una visión soberbia, irónica y pragmática que el padre tiene de la vida.

Una obra impredecible de formato fascinante.

Los directores

Manuel Orjuela C.
Nació en Bogotá en1971. Es maestro en arte dramático de la Escuela Nacional de Arte Dramático de Bogotá. Ha dirigido I took Panama (codirección), Blanca nieves y los siete enanitos, El Inspector (codirección), La Impaciencia del corazón, Hombres en escabeche (codirección), Las Tardes de Manuela, Carta de una Desconocida y ¿Se siente usted bien?

En 2005 y 2006 dirigió ART y Pequeños crímenes conyugales, y acompañó en Barcelona, España, el proceso de montaje de Carta de una desconocida. Entre 2004 y 2008 trabajó como director de artistas de varios largometrajes: El Carro (dirigida por Luis Orjuela), La pasión de Gabriel (dirigida por Luis Alberto Restrepo) y Los viajes del viento (dirigida por Ciro Guerra).

En 2008 dirigió Simplemente el fin del mundo, en coproducción con el Festival Iberoamericano de Teatro de Bogotá. Su última puesta en escena es Haberos quedado en casa, capullos en codirección con Marc Caellas.

Marc Caellas
Nació en Barcelona en 1974. Es gestor cultural, blogger y director teatral. Ha realizado diversos proyectos teatrales en Miami, Caracas y Bogotá.

Entre sus proyectos teatrales más importantes se cuentan: La cena (de Giuseppe Manfridi), La noche de Molly Bloom (de Sanchis Sinisterra), El amor de Fedra (de Sarah Kane) y 25 años menos un día, (de Antonio Álamo).

En Bogotá, codirigió Haberos quedado en casa capullos (de Rodrigo García), junto a Manuel Orjuela, y presentó Los críticos también lloran, en homenaje al fallecido escritor Roberto Bolaño.
La compañía

Asociación Lodhe
Creada en septiembre de 2004 como iniciativa del director Manuel Enrique Orjuela Cortés, la Asociación Lodhe tiene el fin de invitar a diversos actores a participar en cada montaje según los requerimientos y características específicas de cada obra y de cada actor.

Entre las producciones del grupo se destacan: La impaciencia del Corazón (2004), Carta de una desconocida (2005, presentada en España, Miami y Bogotá), Simplemente el Fin del Mundo, presentada en el XI Festival Iberoamericano de Teatro de Bogotá, en el Ulster Bank Dublin Theatre Festival de Irlanda, en el Festival Iberoamericano de Teatro de Cádiz, España, en Porto Alegre Em Cena, Brasil, y en Caxias Em Cena, Brasil; y Haberos quedado en casa, capullos, estrenada en Bogotá en 2008.

El dramaturgo

Rodrigo García
Nació en Buenos Aires en 1964, hijo de un carnicero y de una verdulera, españoles ambos. Escapó a su destino gracias al teatro y dejó Argentina para instalarse en Madrid. En España creó la compañía Carnicería Teatro, abrió la sala La Cuarta Pared y, desde allí, empezó a conquistar el mundo del teatro de vanguardia con obras como After Sun, Prometeo, Jardinería humana, Rey Lear, Compré una pala en Ikea para cavar mi tumba y dos monólogos, Borges y Goya, que han sido representados en París, tanto en español como en francés.

"Siempre traté el teatro casi como un campo de batalla", dice Rodrigo García, consciente de que la violencia de sus piezas y el lenguaje crudo que utiliza en ellas hacen que se le considere a menudo como un provocador. El carácter político de su trabajo, el humor, la acumulación de objetos de la vida cotidiana, delirios y productos comestibles son algunos de los elementos recurrentes de un teatro que, a veces, integra elementos autobiográficos.

Los críticos también lloran (homenaje a Bolaño)

2009-08-08T09:14:00.000-07:00

Ya se llame conferencia, presentación o mesa redonda, el formato basado en relatar ideas frente a un público está hoy más vivo que nunca. La explosión espectacular del número de festivales, simposios y jornadas, o su uso en el ámbito académico o corporativo, la ha convertido un acto de comunicación cotidiano. Pero el género está cambiando; las mesas redondas se están convirtiendo en un acto cada vez más performativo y teatral.

Los Críticos también lloran se plantea como una reflexión lúdica sobre el nuevo rol del escritor como figura mediática. Su presencia, debido a su obra, es ahora más importante que ésta. Extraña paradoja: el escritor, para crear, necesita de la soledad; para vender, requiere una multitud. Los autores se han convertido en performers. Y cuanta más capacidad oral y de divertimento tenga un escritor, con más frecuencia será invitado a un festival. ¿Es más importante la personalidad que la obra? El escritor, ¿hace parte de la literatura o del mundo del espectáculo?

En Los Criticos también lloran se reúnen cuatro escritores: Jordi Carrion (España), Margarita Posada (Colombia), José Tomás Angola y Leo Campos (Venezuela) en una mesa redonda. En teoría, van a debatir sobre la obra de Roberto Bolaño, en la práctica lo que van a hacer, sin moverse de la mesa, es representar un texto del autor chileno, asumiendo al papel de los críticos de la primera parte del 2666.

Dirigida por Marc Caellas, se presentó el 2 de julio de 2009 en el Centro Cultural Gabriel García Márquez, en Bogotá (Colombia) y el 10 de julio de 2009 en la Bienal de Literatura Mariano Picón-Salas, en Mérida (Venezuela).

Cenizas escogidas

2009-04-07T02:26:00.000-07:00

Sacado de Público: http://www.publico.es/culturas/216743/cenizas/escogidas/rodrigo/garcia/papel

Han pasado muchas cosas desde que aquel joven de 23 años de edad empezase a hacer teatro, en 1986. Ahora tiene 45, pero algo no ha cambiado: "Lo que quiero es complicar las cosas lo más posible al espectador y no caer en lo didáctico", cuenta a este periódico el dramaturgo Rodrigo García en su hábitat natural, los aeropuertos.
"Sé que genero un ambiente tenso, pero mi trabajo es crear una ficción y si llegan a pensar que lo que pasa en el escenario es real y es una tortura es que no tienen ni puta idea de lo que es una tortura", explica Rodrigo, que regresa de Polonia de recoger su Premio Europa Nuevas Realidades Teatrales, el máximo reconocimiento internacional del sector. Aunque él le da un valor relativo: "Los premios son cuestiones periféricas".
La entrega coincide con la publicación estos días de Cenizas escogidas (editorial La uña rota), todos los textos teatrales que el autor ha creado en estos más de 20 años. Entre ellos se recoge, por supuesto, Accidens. Matar para comer, la pieza que le trae de cabeza por matar y asar en directo un bogavante. "Me he frenado más en el teatro político. No podía seguir por ese camino. Ahora exploro un universo más íntimo en obras como Versus y Arrojad las cenizas sobre Mickey. Eso sí, sin olvidar lo social y el humor", resume en la búsqueda de su "propia caligrafía".
La edición de todos sus trabajos llega oportunamente para tapar un agujero patrio por el que se cuela sistemáticamente todo lo que produce Rodrigo García en el extranjero y es depauperado en España.
"He conocido a personas que han comprado mis libros en francés para traducirlos al castellano. ¡Dios mío!", cuenta vehemente el autor de Agamenón. Volví del supermercado y le di una paliza a mi hijo, que lamenta que todavía haya gente que le conozca como "un tipo que le hace cosas raras a los animales". "Se está perdiendo la necesidad de profundizar".

Artículo de Rodrigo García en El Cultural

2008-11-14T07:41:00.000-08:00

Para recortar

Hay una fotografía de Lucio Fontana en su estudio –en realidad hay muchas fotografías de Fontana trabajando– que me gusta especialmente. Se ve un lienzo blanco, enorme, montado sobre un caballete al fondo del atelier y en primer plano aparece un brazo de Fontana, solamente un brazo en camisa blanca con el puño un poco arremangado y en la mano, bien apretada, va la cuchilla abierta. Fontana está a punto de entrar a matar a esa tela inofensiva –aunque en la foto la tela parece que respira agitada–. En realidad va abrirla y darle vida. Está a un tris de rajar el cuadro y abrir otra dimensión espacial en la tela y también en el arte de pintar cuadros. Por pincel, lleva un puñal.El cúter en la mano de Fontana es un objeto delicado que no oculta sin embargo todo su potencial dramático: está hecho para rajar, herir, desangrar, crear. No hay que hacer un esfuerzo para llegar incluso a oír en esa foto el traqueteo de la hoja deslizándose hacia fuera, si atendemos a la posición de la mano del artista. Hay una actitud a la hora de hacer obras de teatro que se asemeja a esa fotografía. Al menos yo lo veo así esta tarde, que me siento a redactar un encargo: contar algo de mi trayectoria como creador de piezas escénicas.Hay obras de teatro que se hacen con pinceles y paletas de colores pastel y en las antípodas están las que se hacen con objetos punzantes. Y hay, sobre todo, trayectorias de artistas que han elegido una u otra herramienta o alguna de las tantas que habitan en el centro de esta dicotomía que planteo: de un lado el teatro para divertir, sorprender, agradar –lo llamo el teatro callado–, enfrentado al teatro que, crispado ante el estado de las cosas, responde. Me da lo mismo que llaméis político a ese teatro. Para mí se trata de poéticas, porque cada creador ha encontrado su manera particular de expresar su malestar y su esperanza, y ha puesto manos a la obra para edificar sobre el barrizal y en la tormenta. Supongo que esto último es lo más parecido al teatro original, que se ocupaba de los asuntos que inquietaban a los ciudadanos de la Grecia antigua, calaba en las almas y enaltecía la poesía.Es significativo que sea precisamente esta concepción del teatro la que España menosprecia, oculta y ningunea. Mujeres y hombres como yo, con una trayectoria parecida y similar visión del trabajo –social– del artista, hay a montones en nuestro país y lo sorprendente es que detrás, terca, llega la nueva generación insistiendo en lo mismo, tal vez por no haberse percatado de nuestro fracaso.La gente de mi generación maduramos el fracaso desde finales de los años ochenta hasta ahora, porque hemos conseguido un público fiel, exigente, ansioso por ver “qué diremos en la siguiente pieza”, impacientes por debatir y al mismo tiempo no supimos hacer entender a los gestores culturales que nuestras caligrafías eran necesarias.A la par, el fracaso de los teatros nacionales en España fue escandaloso: difícil encontrar en ningún rincón de Europa programaciones tan conservadoras y deficientes. Parece que los gestores culturales se han ocupado de proteger a los ciudadanos de un teatro diferente sólo porque era diferente. Si usted quiere ver una tela rajada a cuchilla, vaya a verla a un espacio alternativo, te dicen en España. Si en cambio usted quiere ver un cuadro figurativo generalmente mal pintado, tiene toda una red de teatros públicos y centros culturales que dependen de cargos políticos que compran para sus pintores de corte todos los pomos color pastel hasta agotar existencias.Metiéndome donde no me llaman y sin el permiso de nadie, me hago portavoz durante los diez o quince minutos que dure la lectura de esta página, de tantos creadores teatrales amigos, conocidos o simplemente admirados desde mi posición de espectador, por mi calidad de excepción. Tuve, por azar, la posibilidad de mostrar las mismas obras ninguneadas por las instituciones y los grandes teatros en España, en los festivales más prestigiosos del mundo. Es de risa: cuando mi compañía representa a España en el Festival de Aviñón, por ejemplo, resulta que la producción es del Teatro Nacional de Bretaña o del Auditorio Nacional de Roma, y la ensayamos a tres mil kilómetros de nuestras casas. ¿Por qué digo esto? Porque los años pasan y la historia se repite. Hoy un artista joven que empieza, empieza igual de jodido que yo y mis compañeros hace una veintena de años.Nunca es tarde para arrancar las raíces podridas de nuestra política teatral y plantar algo acorde con el tiempo que vivimos y la tierra que tenemos, que es fértil aunque esté descuidada y pisoteada. Generalmente, los que cortan el bacalao metidos en despachos o salas de reunión, tienen una o dos secretarias que cada mañana despiezan con tijeras todos los periódicos del día, nacionales y regionales. Ellas recortan los artículos relacionados con su parcelita de poder y los sirven para que el que corta el bacalao eche una ojeada a los asuntos que le atañen y los manche de café. Digamos sin más rodeos que el objetivo de esta página es ser recortada por una secretaria y acabar en un despacho con un lamparón de grasa de cruasán.Suponiendo que esta hoja mutilada, separada brutalmente del cuerpo de la revista, está encima de la mesa y que su destinatario –el que corta el bacalao– ya ha llegado a este párrafo que vosotros leéis ahora, aprovecho para decir, antes que nada: amigo, para de cortar el bacalao, que no sabes. No te fíes de tus asistentes, que no saben. No te fíes de tus consejeros, que tampoco saben. No designes a dedo a nadie, que eso ya no se estila y que tú, insisto, de esto no sabes. Promueve foros. Compra más cruasanes, invita a café. Paga el Ministerio de Cultura. No es tirar el dinero. Forma consejos de pensadores y cuídate de incluir a tantos que tendrás que salir a comprar más sillas. Compra bastoncillos, hurga en tus orejas. Dale a cada uno la misma importancia. Que los de seguridad dejen entrar a todos, a pesar de presentarse mal vestidos y sin afeitar. También quiero que sepas que la cultura no son cifras exclusivamente, que la progresión de las ideas es insospechada y caprichosa. Busca soluciones en el debate plural, que tú no sabes de qué va este asunto. Sólo estás ahí para reunir ideas. Dale un sentido a tu salario. Eres importante. Tu silencio es muy importante. Que sepas escuchar es muy importante. Que tomes decisiones con conocimiento de la situación es muy importante. Como en la foto de Fontana, la tela está ahí esperando. El tiempo apremia.

Rodrigo GARCÍA

comentarios sobre la obra...

2008-11-11T14:28:00.000-08:00

HABEROS QUEDADO EN CASA, CAPULLOS por Sandro Romero

2008-09-30T19:59:00.000-07:00

Contra Escena
¡HABEROS QUEDADO EN CASA, CAPULLOS!.

25/09/08
Por:sandroromerorey

El domingo es el día de los guayabos maduros. E ir a teatro un domingo debe ser el equivalente a la antesala del infierno. Pero no. Cada vez más existe la posibilidad en Bogotá de ver obras escénicas el séptimo día, ideal para quienes estamos en temporadas artísticas durante la semana y no podemos disfrutar de lo que hacen nuestros colegas. Uno de esos espectáculos dominicales se ha venido presentando a lo largo del mes de septiembre de 2008, con un positivo “boca a boca”. Se trata de la nueva puesta en escena de Manuel Orjuela, compartiendo crédito de dirección con Marc Caellas: un particular divertimento titulado “¡Haberos quedado en casa, capullos!”, escrito por el español Rodrigo García. Una obra que no sucede en ningún espacio convencional, sino en un relajante “via crucis” por el Barrio La Macarena, el cual comienza en el patio de la Galería Valenzuela Klenner, continúa en el Bar “En Obra” y termina al frente y al interior del mismísimo apartamento del co-director Orjuela, situado en la Calle 25C con carrera 4ª.A, Apartamento 202. En Europa, este asunto se conoce como “Teatro en un Apartamento” y tiene bastante acogida entre las personas que quieren nuevas aventuras escénicas sin necesidad de sentarse en un palco de butacas. Orjuela ya se había internado en dicho tipo de experiencias en su destacada “Carta de una desconocida”, con un elenco femenino, a partir de textos de Stefan Zweig. En aquella ocasión el asunto lo denominaban “Teatro a domicilio” y fue una obra ampliamente difundida, la cual empezó presentándose en pequeñas habitaciones y terminó en temporadas nacionales e internacionales.

Ahora, el asunto es a otro precio con esta llamativa obra itinerante. Comenzamos con un monólogo femenino, interpretado con propiedad por la actriz Jimena Durán, a quien habíamos visto hace poco en la puesta en escena de “La muerte de un viajante” en el Teatro La Castellana. Frente a una niña que juega con una pelota (Valentina Monsalve), la actriz se dirige al público “como si fuera ella misma” y lanza una diatriba contra el orden del mundo y sobre el juego macabro de intercambiar las cabezas de los infantes. El público, que no supera la veintena de personas, mira, miramos, en silencio, entre sonrisas tímidas y callados acuerdos.

Quince minutos después, un guía nos invita a dirigirnos al Bar “En obra”, un par de cuadras adentro del corazón de La Macarena. Allí, algunos alcohólicos, trepidando por la resaca de la noche anterior, apuran un vaso de whisky, mientras comienza el segundo monólogo, en este caso el de la actriz Patricia Tamayo (acompañada por Margarita Hasbún), una mujer borracha que se baña en alcohol mientras le enumera a su supuesta madre todas sus desgracias. El resultado es impecable. Continuamos el recorrido. Apartamento 202. Nos acomodamos los espectadores, al borde del ventanal, mirando hacia la calle. El actor Carlos Gutiérrez, parado debajo de un árbol, grita hacia nosotros, hacia el edificio, como si fuera un borracho insoportable dándole cantaleta a una novia perdida. Pero no. Se trata de un borracho metafísico, que delira sobre la importancia de las palizas en los seres humanos. A juzgar por los resultados, se trata del bloque más hilarante y que tiene mejor complicidad con el público. El actor nos increpa, mientras pasan los carros, los ñeros y los transeúntes desconcertados.

Finalmente, nos damos media vuelta, nos sentamos en la sala del apartamento y allí somos testigos de los consejos que el actor Mario Duarte le da a su “hijo” Martín Fernández, quien no para de leer un libro, mientras su padre, bebiendo una lata de cerveza, lo insta a que trabaje y lo llena de sus propias experiencias, con ambiguas alusiones pornográficas. Duarte se va, el hijo lo sigue y, antes de perderse, el pequeño mira a los espectadores y nos insulta: “se hubieran quedado en casa, güevones”. Y chao. Aplausos cerrados.

No sé si “güevones” sea la mejor traducción de “capullos” al español (castellano, dicen en la península), pero el conjunto es muy agradable. ¿Hacia dónde va esta experiencia? Es un juego, sin lugar a dudas, pero es un juego muy bien escrito, con alta dosis de poesía “urbana”, con un concepto de puesta en escena que toma por sorpresa al público, lo saca de su neutral postura de espectador pasivo, y lo lleva a “compartir” un delirio que, a pesar de reconocer el artificio, se “vive” desde una perspectiva harto diferente.

Al final, concluimos que estamos viviendo fragmentos de un mundo interior desbaratado, de cuatro habitantes del universo que se dan contra las paredes para sobrevivir, en medio del humor, el caos, el absurdo y la desazón.

Luego de la temporada de “Simplemente el fin del mundo” de Jean-Luc Lagarce en la Casa del Teatro Nacional, el director Manolo Orjuela sigue con sus pesquisas, esperando que los juegos de la escena lo ayuden a entender una realidad que no tiene explicación.

En horabuena, capullo.

http://www.eltiempo.com/participacion/blogs/default/un_articulo.php?id_blog=3630999&id_recurso=450012736

HABEROS QUEDADO EN CASA, CAPULLOS artículo en El Tiempo

2008-09-30T19:49:00.000-07:00

La Macarena se transforma en escenario teatral

Haberos quedado en casa capullos es un titulo tan español que no parece adecuado para una obra que palpita en uno de los espacios más representativos de Bogotá: el barrio La Macarena.

No es un montaje tradicional, ni siquiera sucede en una sala o escenario, sino que emerge de un recorrido por el sector y por cuatro monólogos que suceden en diferentes espacios. Una galería de arte, un bar, la calle y finaliza en la propia casa de uno de los directores del proyecto.

Unas 15 sombrillas aguardan durante la obra, que comienza todos los sábados y domingos desde la galería Valenzuela Klenner y sigue un recorrido (con guía y todo) para los primeros 30 afortunados que llegan a la cita.
"Como es una obra que camina, tenemos que estar listos para cualquier eventualidad como la lluvia", dice Mark Caellas, un español que hace seis meses llegó al barrio para llevar a cabo un proyecto cultural y terminó dirigiendo la obra junto a Manolo Orjuela.
"El nombre de esta puesta en escena tiene algo que ver con el barrio porque ahí mismo sucede que estás en casa, vas a ver alguna exposición, tomas algo en cualquier sitio y sigues para encontrarte en algún sitio con los amigos", agrega.
En este caso, se trata de la sala de Orjuela en la que no hay amigos cercanos sino público que ha logrado finalizar el recorrido.
'Haberos quedado en casa, capullos' se puede definir como un montaje es un espacio no convencional, una trama nómada regida por las reflexiones de cuatro personajes que caminan y ven a la cara a quienes lo siguen. La puesta en escena original es del dramaturgo español Rodrígo García.
En su versión colombo-española, se ve en la galería de arte a la actriz Ximena Durán, quien hace el papel de una madre que le habla a su hija de 8 años acerca de un juego mental de intercambiar las cabezas de sus compañeros.
Una metáfora acerca de la educación y la necesidad de pensar por sí mismo.
Sigue una caminata que termina en un bar en el que hay dos mujeres que tratan de exorcizar las presiones familiares con un par de tragos: a Patricia Tamayo y Margarita Hazbum, las protagonistas, les ha tocado hasta recibir licor de verdad de uno que otro asistente que se ha conectado mucho con la trama.
"Creo que esta obra se acerca a lo que en Italia llaman teatro de la persona, ese que se dirige al público como individuo y no como asamblea. Hay que lidiar con lo inesperado, pero se ve a los ojos de los espectadores. No hay oscuridad ni luces que esconden las miradas", comenta Caellas.
De la historia etílica de madre e hija se pasa a la de un loco que analiza el sentido de las peleas (palizas, como le dice Mark Caellas). El actor Carlos Gutiérrez se camufla en la piel de un habitante de la calle, que recalca que los puños también son una manera de dialogar.
El ciclo se cierra con el texto del actor Mario Duarte, el mejor amigo de Betty la Fea y ex vocalista de la banda de rock La derecha, que, como dato curioso, está viviendo su primera experiencia teatral en esta obra.
Duarte hace las veces de un padre que escucha la idea de su hijo de ocho años acerca de trabajar hasta los 15, para después disfrutar de la vida. Un final duro y con ciertos toques de humor negro que al final trata de redondear la idea de que los niños son como mercancías de sus padres. "Ese es el monólogo más largo", agrega el director español.
La obra va estar los fines de semana repitiendo ese recorrido hasta finalizar este mes, lidiando con los imprevistos, los carros que aparecen como accesorio a una escenografía de concreto y pavimento.

Sábados y domingos en los que se revela la fuerza que hacen sus dos directores (Orjuela y Caellas) para que no se tengan que abrir los paraguas en caso de lluvia, en una zona que como el título del montaje, hace referencia a España pero está clavada en el oriente bogotano.
A la obra se puede acceder en la galería Valenzuela Klinner (carrera 5 26 -28). Las boletas para los primeras 30 personas tiene un costo de 15 mil pesos.

Publicado el 16 de sept de 2008
ANDRÉS HOYOS V.CULTURA Y ENTRETENIMIENTO

http://bogota.vive.in/enescena/bogota/articulos_teatro/septiembre2008/ARTICULO-WEB-NOTA_INTERIOR_VIVEIN-4531242.html

HABEROS QUEDADO EN CASA, CAPULLOS! Entrevista Rodrigo García en El Espectador

2008-09-18T07:53:00.001-07:00

http://www.elespectador.com/impreso/cultura/articuloimpreso-tras-pista-de-cuatro-monologos

Cultura 11 Sep 2008 - 9:35 pm
Tras la pista de cuatro monólogos

Haberos quedado en casa, capullos surgió como un encargo para un festival de teatro en España. Aprovechando que ese encuentro se desarrollaba en varios escenarios, Rodrigo García, el dramaturgo, quiso hacer un montaje que se viera por capítulos. Fue así como creó cuatro monólogos con un hilo conductor pero finalmente, según el mismo García, nunca resultó ser una historia continua.

Ahora en Colombia, un grupo de amigos actores, bajo la dirección de Manuel Orjuela y Marc Caellas, retoma este montaje. Ellos son Jimena Durán, Valentina Monsalve, Patricia Tamayo, Margarita Hasbún, Mario Duarte, Martín Fernández y Carlos Gutiérrez. Su versión de la obra se toma varios espacios del barrio La Macarena de Bogotá, donde hacen un recorrido con los monólogos que hablan sobre la familia, el trabajo, la educación entre otros temas de la sociedad. La obra se presenta los sábados y domingos de septiembre partiendo desde la galería Valenzuela y Klenner.
García define la propuesta como una necesidad expresiva, más que una nueva forma de hacer teatro. “Nunca hemos buscado nada por ser novedoso o resultar original. Esas cosas no calan profundamente, no te puedes fiar de lo aparente. A veces acertamos con la forma, a veces fallamos. Por el contrario, los que trabajan desde la forma, tienen el fracaso garantizado: sopla un aire y se cae el castillo de naipes”, afirma.
El dramaturgo, ausente en esta nueva versión de su creación, respondió desde España una serie de preguntas que finalizaban con la siguiente frase: “Si usted va a cortar alguna parte de mis respuestas, por favor: no publique la entrevista. No soporto la censura. Yo no cobré por hacer esto. Tengo derecho: o pone entero todo lo que le respondo o no ponga nada. Gracias”.

1. ¿Por qué hacer una obra que se desarrolle en diferentes escenarios?
Fue un encargo de un festival. Querían una obra y yo intenté aprovechar que el Festival tenía varios espacios. Me pedían una obra y yo intenté hacer algo así como una serie. En capítulos. Me gustaba la idea de serie, pero en teatro. Teníamos las referencias de Twin Peaks y antes de Berlin Aletxanderplatz de Fassbinder. Lo intentamos y no funcionaba. Era complejo hacer eso. De todas maneras busqué elementos en común que podían hacer de hilo conductor entre los monólogos. No conseguí contar una historia, fueron varias historias con algunos detalles que te hacían pensar que se trataba de una serie, pero realmente fui incapaz de contar una historia.

2. ¿Es esta una nueva propuesta de hacer teatro?
Es una necesidad expresiva. Nunca hemos buscado nada por ser novedoso o resultar original. Esas cosas no calan profundamente, no te puedes fiar de lo aparente. Expresamos conceptos. A veces acertamos con la forma, a veces fallamos. Por el contrario, los que trabajan desde la forma, tienen el fracaso garantizado: sopla un aire y se cae el castillo de naipes.

3. Según me han contado, usted prefiere trabajar con personas, mas no con personajes ¿A qué se debe esta preferencia?
El teatro es tan estúpido, arcaico, inútil, egocéntrico y simple que hay que derribarlo y, en los lugares fértiles que asoman entre los escombros, sembrar. Hablar de personas en lugar de personajes es una -entre tantas- de mis propuestas-semilla.

4. Cristina Rota, quien dirigió este montaje en España afirma que es una crítica a “la deshumanización de un mundo que predica la bondad” ¿Qué opinión le merece este comentario? ¿Esta era su intención cuando escribió los monólogos de la obra?
Nadie necesita que yo sea “su voz”. Escuchas la radio, ves la tele: todo son mensajes parecidos. Yo intento mostrar las cosas desde otros ángulos, menos usuales. ¿Es mala la prostitución infantil? Yo debo defender que es muy positiva, para la economía de los niños, etcétera. Tengo que argumentarlo, aunque no lo comparta. Eso hace rabiar al público. Y empieza el debate. Sabemos que muchos de los que enfurecen, tienen relaciones sexuales con menores. Pero enfurecen. Eso es interesante. Hablar de las cosas con simpleza. Y que la gente se asuste ante sus propias vergüenzas.

5. ¿Cómo cree que el público colombiano pueda interpretar esta propuesta teatral?
El teatro no significa nada. Y menos en un país donde se asesina con bastante naturalidad e impunidad. El teatro no es nada. Hay que arreglar asuntos más importantes. De educación, sanidad y sobre todo de distribución de la riqueza. Luego hacemos teatro, si quiere. Conseguir que la vida de un colombiano valga lo mismo que la de un francés es algo importante. ¿Por qué la vida de un colombiano vale mil veces menos? Porque los que gobiernan son corruptos. ¿Por qué son corruptos? Por la oligarquía y el negocio de las drogas y el peso del ejército y del clero . ¿De qué sirve el teatro? De nada. Primero hay que solucionar asuntos de vida y muerte. Si usted va a cortar alguna parte de mis respuestas, por favor: no publique la entrevista. No soporto la censura. Yo no cobré por hacer esto. Tengo derecho: o se pone entero todo lo que le respondo o no ponga nada. Gracias.

HABEROS QUEDADO EN CASA, CAPULLOS artículo en CAmbio

2008-09-18T07:53:00.000-07:00

Una obra itinerante por cuatro lugares del barrio La Macarena es una propuesta que no puede perderse

Jimena Durán (en la foto) y Patricia Tamayo interpretan monólogos existenciales y casi absurdos. Foto: Fernando Ariza / Cambio

La combinación de un director de teatro español (Marc Caellas), que viene con los textos irreverentes de Rodrigo García, junto a Manolo Orjuela que innovó en su adaptación de Cartas de una desconocida con la idea del teatro a domicilio, produce esta curiosa obra de teatro -Haberos quedado en casa capullos- que acontece en cuatro escenarios distintos de La Macarena, en el centro de Bogotá. Inicia en el patio de la galería Valenzuela & Klenner con un monólogo por Jimena Durán. Los comentarios desquiciados de una joven a quien su hijita le juega detrás abren el panorama para una obra de humor negro. La joven diserta sobre el malestar que le produce reproducir las ideas de los otros, sin siquiera entenderlas, sin dudar. Se imagina qué sería de todos si un día al llegar al colegio a dejar a la niña, hubiera un evento tal que todos quedaran descabezados y el choque espantoso y sangriento de los cuerpos hiciera que todos terminaran con la cabeza equivocada, repitiendo ideas de los otros, ridículamente.
El recorrido sigue en el restaurante En Obra. En la barra, Patricia Tamayo levanta la voz en exceso, con claros síntomas de exceso de tragos. A su lado, alguien simplemente está inconsciente. En un delirio de licor expone el patetismo de su soledad, de su desastre de afectos, se ríe y sigue, lanzándole dardos a lo bueno y lo malo de todo, de todos. Concluye, eso sí, con la sabiduría popular de que mejor solo que mal acompañado.
Los espectadores, escoltados por un chico que lleva paraguas por si las moscas, siguen su camino hacia un edificio a dos cuadras al sur. En un segundo piso de un apartamento, el público está invitado a recargarse contra la ventana y a mirar hacia afuera. Aparece en la calle, un hombre (Carlos Gutiérrez) que echa un discurso sobre las palizas que recibe quien está en la calle, y que empeoran si no se es gobiernista...
Finalmente, en el mismo apartamento, un niño lee juiciosamente en la sala. Aparece su padre (Mario Duarte) quien le dice enfático que mañana no irá al colegio, que eso no lleva a nada bueno y con esas palabras sigue un monólogo en donde entremezcla sus recuerdos de niñez, su soberbia y su pragmatismo, en un discurso a la larga divertido sobre todo porque para el niño todo lo que divaga su padre lo tiene sin cuidado.
Todo es claramente incoherente, punzante y con algo de verdad sobre el absurdo de la vida. Queda una curiosa sensación de 'qué estuve haciendo acá', pero ese es justamente el éxito del experimento de monólogos, haber reunido a unas cuantas almas descarriadas que tal vez se identifican con algunas de las palabras y las soledades allí expuestas.

FICHA TÉCNICA'Haberos quedado en casa capullos'
Dirección: Marc Caellas y Manolo Orjuela

Basada en un texto de: Rodrigo García

Reparto: Jimena Durán y Valentina Monsalve, Patricia Tamayo, Carlos Gutiérrez, Mario Duarte y Martín Fernández.

Sábados y domingos, 5 p.m., Cra 5 No. 26-28.

En la página web de Cambio

http://www.cambio.com.co/entretenimientocambio/794/ARTICULO-WEB-NOTA_INTERIOR_CAMBIO-4533338.html

25 AÑOS MENOS UN DÍA por Alberto Soria

2007-10-14T15:38:00.000-07:00

EL UNIFORME
Como íbamos a participar en una obra de teatro, nos mandaron al fotógrafo Nelson Garrido y a un servidor, a comprar los uniformes. La idea fue de Marc Caellas, escritor y promotor cultural catalán. El año pasado dirigió en Caracas “La Cena”, y ahora “25 años menos un día” de Antonio Álamo. Como Álamo escribió también “La oreja izquierda de Van Gogh”, y ha ganado sopotocientos premios, estábamos entusiasmados imaginando las reseñas y fotos en Sociales, donde íbamos a destacar por los uniformes.
Primero fuimos a un sitio especializado en uniformes de cocineros. “Talla XL no hay” gritó alguien tan pronto transpusimos la puerta. “Ya no se fabrican sino ese, medium y papeado” nos explicó un vendedor veterano más amable, experto en tallas. La revolución de la delgadez, si en algún sitio ha triunfado a golpe de prometer pantalla y pasarela, ha sido en la cocina.
¿Los señores trabajan en la televisión? nos preguntaron en el lujoso local de uniformes para chefs del super centro comercial. “¡Ajá con que se nota¡” dijimos. Lo que se notaba –nos enteramos después- era que de cocinar no vivíamos.
El problema fue el color. Resulta que el blanco está en retirada. Ahora que el cocinar es más cercano a Picasso, que a un estofado, los códigos y ritos han cambiado. Cualquier color en el uniforme vale. Cualquiera escoge los colores de los botones. En el pasado, el blanco impecable del uniforme estaba unido a la noción de higiene y pulcritud, y el color de los botones a las jerarquías en la cocina. Eso ya no va.
El gorro tradicional (la toque, en francés) ha sido sustituido por cosas más prácticas y personales: Pañoletas de firma –al estilo pirata– cachuchas de pelotero, gorras deportivas y sombreros.
Y el delantal (le tablier, en la profesión), ya no es blanco. Puede ser negro, rojo, amarillo, verde, vino tinto, marrón, azul, y de blue-jeans. Al estilo de los pilotos de fórmula 1, todo tipo de logos, banderas y emblemas pueden ser pegados en cuanto espacio disponible exista.
Antes en la cocina, el derecho a usar los colores de la bandera nacional en el cuello del uniforme era un galardón que se ganaba después de muchos concursos. Ahora uno puede pegarse la bandera propia, la de la novia y la que más le guste para pantallar, sin tener que pedirle permiso a nadie.
Que en la cocina el uniforme ya no es eso, lo verificamos fácil esta semana. En la televisión colombiana, un conocido periodista talla 3 XL, entrevista a sus invitados disfrazado de chef. Su chaqueta es amarillo fuego, o verde cacatúa. Hasta el entrevistado más espectacular luce opacado.
En Dublín, durante el desarrollo del 32º congreso bienal de la WACS (Asociación mundial de las sociedades de cocineros) Nueva Zelanda sacudió a la convención presentándose vestida de riguroso negro. En el mar blanco inmaculado de las delegaciones de cocineros del mundo –cuenta el maestro Matteo Gaffoglio– los blancos chefs de Nueva Zelanda uniformados de negro y con emblemas, eran como una mancha. Le llevamos al director Caellas unos uniformes rojo sangre, escogidos por Garrido que es especialista en rojos. Fue un fracaso. Ahora andamos buscando obra en la cual debutar.
Alberto Soria

25 AÑOS MENOS UN DÍA en Sala de Espera

2007-07-11T14:27:00.000-07:00

25 AÑOS MENOS UN DÍA

"Nos gustaría que, en la representación del texto que sigue, los actores reprimieran en lo posible sus innatos deseos de suplantar la personalidad de otros individuos y se limitaran a seguir las instrucciones. De hecho, es ésta una obra concebida para eludir todo atisbo de interpretación”

Según David Mamet, conocido autor norteamericano, un buen actor debería cumplir con tres características básicas: llegar puntual a los ensayos, saberse el texto de memoria y estar abiertos a lo que pueda ocurrir sorpresivamente en el escenario. Bajo esta premisa, podríamos acercarnos al tema central de la pieza del autor español Antonio Álamo “25 Años Menos 1 Día”, que se estará presentando en Venezuela durante el mes de Julio en el centro cultural Corp Group.Esta singular obra, ganadora del premio Born 2005, se inspiró en una anécdota real ocurrida durante la última presentación de una pieza teatral de principios del siglo pasado llamada “The Tea is Ready”(El Té está listo), que estuvo 25 años menos un día (1920-1945) en las carteleras de Londres. Durante su última función, tuvo lugar una situación única que no sólo vale la pena narrar como anécdota curiosa, sino que además pone en entredicho el oficio del actor.Cuentan que en el intermedio de esa última función de “The Tea is Ready”, uno de los actores del elenco abandonó inesperadamente el escenario porque le perseguía la policía Scotland Yard. En el entreacto, el autor de la pieza habló con uno de los miembros del elenco y juntos decidieron buscar entre el público alguien que se pareciera al actor ausente, para así poder continuar con el segundo acto de la función. Con suerte, encontraron al hombre indicado para la sustitución y confiaron que este novel intérprete podría decir los dos textos que le quedaban en la obra: “El Té está listo” y “No dejes que me maten”.La pieza “25 años menos 1 día” está escrita en clave de comedia de enredos y su texto reflexiona sobre el oficio del actor. En escena, el personaje del autor asegura que “cualquiera puede ser actor”. Incluso, habla de que los actores están sobrevalorados y asevera que cualquier persona, bajo las direcciones adecuadas, puede interpretar el personaje que se le pare enfrente.Antonio Álamo declaró en una oportunidad que la obra ganadora del premio Born 2005 (uno de los más prestigiosos en España) marcó un punto de inflexión en su carrera, por el tono cómico en el que está escrita. “En anteriores trabajos había humor, pero era más negro, soterrado, entre líneas”. “En este caso –agregó- el humor es la estrategia principal, el juego está en primer plano”.Luís Pascual, presidente del jurado del premio, halagó la pieza por la eficacia de su partitura escénica, su elaborada carpintería y su ritmo. “Una obra que refleja el teatro dentro del propio teatro, con sus pequeñas y grandes miserias, que critica el mundo imperante, elaborada con ironía, inteligencia, solidez formal y algunas dosis de cinismo”, afirmó.El director del montaje, Marc Caellas, considera que aunque la postura del autor es un poco exagerada, no está del todo lejos de la realidad. De allí que asegura, si se mira con buen humor, esta propuesta puede sacarnos unas cuantas carcajadas. “Es una comedia distinta a lo que suele verse en nuestra cartelera, un poco más exigente con el espectador. El planteamiento estético es muy interesante y ofrece un entretenimiento que se toma tiempo para reflexionar sobre el teatro y el oficio de actuar”.“25 Años Menos 1 Día” será la tercera obra de Álamo que se monta en Venezuela. La primera fue “Pasos” dirigida por Juan José Martín en el TET. Luego vino el estreno de “Yo Satán”, que se presentó el año pasado, también bajo la dirección de Juan José Martín.La iniciativa de montar esta tercera pieza surgió luego de un ciclo de lecturas dramatizadas, que organizó el círculo de escritores de Venezuela en presencia del autor español. Dicho evento coincidió con el exitoso estreno de “Yo Satán”, el cual abrió la posibilidad de montar otro de los trabajos de Álamo en el país.“Al autor le gustó mucho la versión que se hizo de su trabajo. Disfrutó tanto de nuestra propuesta, que cedió los derechos para estrenar mundialmente la pieza “25 años menos un día” en Venezuela, incluso antes de montarla en España, porque en su tierra natal no ha encontrado al actor principal perfecto para llevar el peso de la pieza”, comentó Caellas.En la versión local, Luigio Sciamanna encarnará al actor principal y compartirá escena con María Fernanda Ferro, Giovanni Realli, Kathy Cardoso, Sara Valero, Claudio Laya y Antonio Delli, a quien la obra le ha resultado un verdadero deleite. “La pieza es muy sabrosa, rebosante de un humor muy fino, el texto está muy bien escrito, pues de una vez te da todas las aristas que como actor debes manejar para interpretar al personaje. Siendo teatro dentro de teatro, el personaje te da chance de probar dos caracterizaciones distintas en función de una sola historia, son personajes dentro de personajes, el texto plantea una situación sumamente jocosa”.

Antonio Álamo.
En el historial de obras de teatro de Antonio Álamo se incluye: “La oreja izquierda de Van Gogh”, Premio Marqués de Bradomín 1991; “Agujeros”, 1992; “Los borrachos”, que resultó merecedor del premio Tirso de Molina, del Premio Ercilla al mejor montaje del año y del Finalista del Nacional de Literatura, con presentaciones en México, Argentina, Italia, Francia y Chile; “Pasos”, Premio Palencia 1996, estrenada en España, Venezuela y Argentina; “Los enfermos”, Premio Born 1996, montada en España y Francia, se ha traducido al catalán, al francés y, más recientemente, al rumano; “Grande como una tumba”, Premio Caja de España 2000; “Caos” (2000), que superó las trescientas representaciones y que fue estrenada en el Festival Internacional de Teatro Clásico de Almagro en la edición pasada; “Yo Satán” (2005), basada en su tercera novela, que ha conocido diversas ediciones y ha sido traducida al ruso, se encuentra de gira y ha sido estrenada en Venezuela, y, por último, “Veinticinco años menos un día”, con la que ha ganado el premio Born 2005. Su obra dramática ha sido traducida al francés, rumano, catalán, árabe, italiano e inglés.

Publicado en Sala de Espera, por Carlos Armas
http://www.saladeespera.com.ve/wordpress/casos-y-rostros/25-aos-menos-1-da/

EL AMOR DE FEDRA Artículo en El Univesal

2007-05-03T15:44:00.001-07:00

El amor de Fedra": violencia para combatir la violencia

"El amor de Fedra" critica a la religión sin fe y sin espiritualidad (Oswer Díaz)
El montaje del TET se presenta hasta el próximo 29 de abril en el Country Club
Allí está el público, encerrado en la misma habitación donde Fedra se le insinúa sexualmente a su hijastro; en el mismo confesionario donde un sacerdote tratando de "salvar" el alma de Hipólito deja al descubierto la hipocresía de la religión sin fe. El espectador es testigo de un linchamiento, poco antes de ser botado como perro del lugar del crimen, tras el cual Fedra, su hija e hijastro, yacen sin vida en un ambiente en ruinas.
Es el espíritu humano. Un escenario de guerra. Se trata de un laboratorio donde el espectador es el ratón blanco.
El amor de Fedra (1996), de la dramaturga inglesa Sarah Kane (1971-1999), es un texto duro pero su puesta en escena lo es aún más. La escritora bebió de la tragedia griega y en su convulsión de muerte llegó a esta pieza que confronta al espectador con diversos temas de su consciente y subconsciente. Además, la puesta en escena del TET, bajo la dirección de Marc Caellas, deja entrever una crítica a los medios de comunicación, alienantes, superficiales, que explotan el morbo de los seres humanos.
Fedra (María Fernanda Ferro) está enamorada de Hipólito, su hijastro, para el común de los mortales un desadaptado social, un loco, pero con una capacidad impresionante de decir verdades que hieren. Estrofa, hija de Fedra, advierte a su madre sobre lo inadecuado de su amor, pero la pasión no sabe de excusas o de acciones políticamente correctas. Al ser rechazada por Hipólito (Alexander Letterni), Fedra acaba con su vida dejando una nota donde acusa al hijastro de haberla violado, lo cual culminará con el linchamiento del presunto criminal.
La propuesta del TET se inicia desde el momento en que el espectador aborda una camioneta por puesto hasta el lugar del montaje. De la realidad real a la teatral, de la violencia cotidiana a la violencia radical que busca exorcizarla, ponerla a la vista para que no acabe con el individuo.

El amor de Fedra se presenta los sábados y domingos a las 5:00 pm. Las entradas están a la venta en Esperanto del Centro San Ignacio, desde donde sale el transporte 15 minutos antes de cada función. Actúan también: Clarissa Sánchez y Ludwig Pineda.

Hipólito en su celda

2007-05-03T15:16:00.000-07:00

Fedra en el cuarto de Hipólito

2007-05-03T15:11:00.000-07:00

Fedra y Estrofa

2007-05-03T15:07:00.000-07:00

Estrofa pinta

2007-05-03T15:03:00.000-07:00

Fedra habla con el médico de la familia

2007-05-03T15:00:00.000-07:00

Los policías, Xavier y Claudio

2007-05-03T14:57:00.000-07:00

En una quinta del country club

2007-05-03T14:49:00.000-07:00

EL AMOR DE FEDRA artículo en El Nacional

2007-05-03T14:41:00.000-07:00

EL NACIONAL - Domingo 01 de Abril de 2007
Escenas/7

Suicidios, linchamientos, violaciones y asesinatos en una vieja mansión de Caracas
EDGAR ALFONZOSIERRA

Pareciera que la línea más corta entre la tragedia clásica y la contemporaneidad está en la crónica roja. Es burdo decirlo, pero un caso extremo lo recuerda: una familia en un viejo caserón del Country Club fue aniquilada totalmente en sus propios venenos. Fedra, la nueva esposa del poderoso Teseo, quiso aplacarse sexualmente con el hijo de éste, Hipólito.Pero él –ocioso heredero, seductor, cínico y nihilista, un angélico maldito que dice todo lo que piensa y cuestiona la hipocresía social– la rechazó.Fedra, un personaje externo a ese medio, se venga consigo misma y con él. Comete suicidio y deja una nota en la que lo acusa de violación. La gente se indigna. La iglesia intenta redimir al joven, pero cae de rodillas ante su bragueta.Luego, la malaventura se derramará roja desde la escalera central de la mansión.El amor de Fedra, de Sarah Kane, una implacable revisión del relato canónico de Séneca, es adaptada a Caracas por Marc Caellas en una de las claves que ya presentara este director en su anterior pieza, La cena (Sala Plural, Centro Trasnocho Cultural, 2006): espacios no convencionales.Esta vez, una casa semiabandonada. La decadencia del lugar, sus implicaciones históricas, la clase que allí habitó se filtran en las acciones y hacen más compleja su lectura.La pieza se construye en cinco escenas a través de diálogos cortantes, secos, muy contemporáneos y un estallido final funesto. Dan vida a los personajes los actores María Fernanda Ferro (Fedra), Ludwig Pineda (Teseo, entre otros papeles que interpreta), Alexander Letterni (Hipólito) y los acompañan alumnos de los talleres de la agrupación Taller Experimental de Teatro. Su vestuario está a cargo del dúo Ghetto Creativo.Los artistas escriben que esta obra no es un entretenimiento culto sobre la tragedia griega, sino un quirúrgico acercamiento a la brutal realidad que, a través de medios de comunicación idiotas, ameniza la vida propia.La obra remite directamente a su autora Sarah Kane, un nombre fundamental en la dramaturgia británica. Suicida a los 28 años de edad (vivió entre 1971 y 1999), dejó una obra de 5 piezas para teatro y un cortometraje. Sufrió una compleja personalidad depresiva. Con El amor de Fedra descompone a la aristocracia y a la nobleza ingleses, y a través de ellos habla de problemas generales de su sociedad, comunes a todo ser humano.Kane, informa Caellas, aspiraría a ser como el Hipólito de su obra, un ser tan sincero como preclaro que no puede ni parece querer sobrevivir a un mundo en náuseas. No casualmente es un personaje al que a pesar de escupir en todas las caras, desde la baranda del espectador, se le perdona.
El amor de Fedra de Sarah Kane Dirige Marc Caellas
Actúan María Fernanda Ferro, Ludwig Pineda, Alexander Letterni y alumnos del TET
Del 1° al 29 de abril Sábados y domingos, 5:00 pm Bs 20.000 Entradas en la discotienda Esperanto Salida en transporte desde el centro comercial San Ignacio a las 4:45 pm Teléfono: 662 3633

LA CENA por Carlos Herrera

2006-08-13T16:32:00.000-07:00

LA CENA28/06/06

Bajo una producción independiente que cuenta con el apoyo del Centro de Creación Artística del Taller Experimental de Teatro (TET), con éxito abrumador de público y manteniéndose por espacio de tres semanas consecutivas, el joven director Marck Caellas ha venido mostrando en escenificando en El Espacio Plural del Trasnocho Cultural (centro Comercial Paseo Las Mercedes) su delicioso montaje titulado “La Cena” del dramaturgo y guionista de cine italiano Giuseppe Manfridi. La trama es sencilla en su lectura superficial: en el transcurso de una noche, a la espera de lo que será una inquieta velada, un ceñudo padre indica a su lúgubre sirviente, Fangio, sobre los preparativos finales que tendrá que acometer para la preparación de una cena. Esta tiene como características que más allá de su sobriedad es para generar el reencuentro con su hija, Giovanna quien, había abandonado tanto su a casa como su progenitor después de que este se incidiese y afectase en lo que había sido su primer matrimonio. En este regreso bastante tenso, la hija retorna con su nuevo esposo Francesco, un joven de clase social inferior que se ha contraído nupcias con Giovanna sin saber nada de su pasado. Llegados a la casa, la cena está lista y la trama se desenvuelve colocando en una máxima tensión a los cuatro miembros que estarán esa noche. En el juego de revelaciones, se observa como el calculador padre, siempre hermético y con un carácter perverso en su sus maneras lúdicas de hacerle saber los defectos a Francesco, hará que la verdad de Giovanna se devele. Un desenlace imprevisto será el producto de una serie de mensajes ocultos que lentamente son develados y todo el andamiaje de las interioridades de un sistema de relaciones intrafamiliares se desmorona ante los ojos atónitos del espectador que, a manera de invisible comensal, por momentos, tendrá en sus manos el decidir ¿quién tenía la razón o no en este extraño encuentro? y hasta de sorprenderse por la sinuosa madeja de relaciones subyacentes de poder, aceptación y revelación en una Cena como pocas. Un final trágico marca una urdimbre rebosante de absurdidad, humor negro y lógicas intelectuales. Caellas un atrevido amante del teatro ya había asumido la escenificación de esta pieza de Manfridi en la pasada edición de un Festival en la ciudad de Miami donde capturó la aceptación de público y obtuvo buenos comentarios de la crítica especializada. Su labor en un espacio no convencional fue pulcra en otorgarle el máximo peso a dos elementos: una carga de atmósfera de corte intimista donde luz, disposición del espacio y adecuación musical generan esa magnética sensación de que el espectador está departiendo con esta singular familia pero sin intervenir. También por la aguzada exigencia de trabajar con el grupo actoral para que con gestos, poses, miradas, silencios, dejos, y desplazamientos se conectase a la recepción de cada comensal-espectador. No hay concesiones gratuitas ni efectismos superfluos, cada actor genera un estado particular con sus diálogos y acciones que calladamente involucra al receptor. Caellas solo permite que veinticinco personas estén alrededor de una gran mesa y de ahí se integran al espectáculo. La esencia es que cada quien se magnetice, se interne en lo más profundo de los vericuetos de una historia que se va desgranando lentamente y que revela poco a poco se revela para crear hasta cierto grado de estupor en el horizonte de expectativa de cada quien. El ritmo de la puesta en escena es comedidamente pausado, a fin que lo orgánico o visceral de las verdades salgan a flote escena a escena y ello construye un todo significante que si lo vemos con detalle se origina de algo tan sencillo como una verdad oculta. La clave es que esta verdad sea revelada en tomo de suspenso y que la representación efectuada por cada actor la sepa colocar en su punto más álgido. La dirección apeló al lúcido desempeño histriónico de Alejo Felipe (como el padre) quien con grave acento y fuerza de voz así como una perversa manipulación de las situaciones sabe desplegar todo un abanico de interacciones con ese grave mirar sobre la conciencia receptiva de cada comensal / espectador. María Fernanda Férro (Giovanna) desenvuelta en la construcción como Giovanna, es parte cómplice de esa verdad que al final se revela. Ella con buena presencia y fluido ritmo expresivo también construye un personaje que es parte esencial de la trama. Antonio Delli -como Francesco- supo sacarle buen partido a su papel ya que pasa de ser un inocente y desprevenido invitado a ser catapultado al lúgubre juego de esas pasiones contenidas. Finalmente, la caracterización del sirviente Fangio dada por el excelente actor, Ignacio Márquez supo concretar esa imagen siniestra que sabe todos los vericuetos de una verdad que se va levantando y que a la postre dejará su marca en lo tragedia de cierre. Todos actores y dirección arman un trabajo de equipo artístico bien afiligranado donde el meollo del género del thriller se abre como oscura ceremonia de revelaciones. Montaje que funciona como un teorema ante nosotros. Una cena muy formal en su forma pero que no es obvia si es que se nos ocurre tratar de descifrarla a las primeras de cambio. Un espectáculo que “va más allá de ser un acomodaticio divertimento de fin se semana” y se propone como un encuentro de insospechadas vertientes para el público que espera algo fácil de engullir en eso que denomino el consumo facilista que muchas otros montajes tienen como recurso de primera mano. Caellas fue contundente en eso de exigirle a su plantilla actoral una aplomada capacidad de crear tensión, de levantar momentos álgidos en muchas escenas y de saber dosificar la función / acción de cada personaje como regulador de resolución de la trama. Con dos copas de vino, una hora y media de suspenso, La Cena se convierte en una impecable producción teatral que anima la cartelera teatral del fin de semana. ¡Vaya y convídese a este festín escénico! El espectáculo le agradará o lo desconcertará pero, eso si, no le permitirá salir apático. “La Cena” es una de las propuestas más atractivas y sugestivas que usted, amigo lector y espectador puede optar para este fin de semana. ¡Se la recomiendo!
Por: Carlos Herrera
critica@cantv.net

LA CENA por Alberto Soria

2006-08-13T16:21:00.000-07:00

Publicado en http://www.mipunto.com/
La Cena, una obra de Giuseppe Manfridi ha llegado al teatro en Venezuela de manos de Marc Caellas, y beben vino a sorbitos en ella los actores, y con placer también los espectadores.
Caellas ya había montado La Cena en Miami bajo el aura de Antoni Miralda (el antropólogo de la comida, que el arte prestó a la cultura) con similar éxito de público, crítica y vinos. Ahora lo hace en el Trasnocho, del centro comercial Paseo Las Mercedes.
Se trata de una trasgresora obra de teatro de la persona. Como explican los críticos italianos, este teatro es aquél donde los actores en lugar de hablarle a los espectadores, lejanos y en auditorio, los tienen al lado y se dirigen a él como individuo.
Cuando el autor Giuseppe Manfridi escribió La Cena la imaginó como un espectáculo durante el cual no se oyera volar ni una mosca, sino, a intervalos, alguna previsible carcajada. Eso, estrictamente es lo que ocurre.
Los escasos veintidós espectadores que pueden participar en cada cena, beben vino con los actores, comedidamente, en pequeños sorbos, mientras tratan de imaginar el final que siempre los sorprende.La acción se desarrolla a medida que los platos se alternan en la cena, en la cual hace de anfitrión un padre astuto, irónico, que recibe con vajilla de honor y estruendo a su muy sexual hija acompañada por su nuevo novio, mientras un sorprendente sirviente los atiende, y sirve vino a su patrón y a los espectadores, cosa que por primera vez ocurre en el teatro en Venezuela. En la obra de un poco más de una hora de duración, el espectador tiene la oportunidad de disfrutar las interpretaciones del veterano primer actor Alejo Felipe (el padre), la personalidad y el atractivo de la actriz María Fernanda Ferro (la hija), la revelación de Antonio Delli (el novio), y la ingeniosa y sabia gestualidad de Fangio, el sirviente (Ignacio Márquez). La escenografía ha sido montada, con su tradicional irreverencia, por Nelson Garrido.
Alberto Soria

LA CENA en el Espacio Plural de Trasnocho Cultural

2006-08-13T16:17:00.000-07:00

En el Espectador

Si las instituciones culturales no tienen un marcado crecimiento en cantidad, calidad y espacio están condenadas a desaparecer o quedarse rezagadas con sus vitales servicios a la comunidad, sean privadas o públicas u oficiales, y por ende su desaparición está anunciada o garantizada, ya que los colectivos crecen y piden o exigen no sólo más sino siempre lo mejor y no aceptan mediocridades. Y eso rige para todas las naciones desarrolladas o para las que van más atrás y pretenden alcanzarlas.El fantasma de que eso pueda llegar a sucederle a la Fundación Trasnocho Cultural no deja dormir a su gerente general Solveig Hoogesteijn y por lo tanto ella se las ingenia, cotidianamente, para que esa “burbuja” que mora en los sótanos del Centro Comercial El Paseo Las Mercedes siga en expansión y en función de la demanda de los espectadores y de los artistas que han transformado a dicho espacios en el Ateneo de Caracas del siglo XXI... y no es precisamente una cortesía.Ante esa “sana presión” que, desde hace cuatro años, están aplicando los teatreros para la creación de otra sala, diferente a la que se conoce como Teatro Trasnocho, donde se pueda exhibir un género de espectáculos alternativos ante los que anidan en la ya tradicional cartelera comercial, ahora sí se está utilizando un “espacio alterno” o “múltiple”, que además sirve para programar conferencias y talleres, como sala provisional de teatro. Ahí, precisamente, acabamos de ver el montaje La cena, de Giuseppe Manfridi (Roma, 7 de marzo 1956), puesto en escena por Marc Caellas y con los capaces y versátiles comediantes:Alejo Felipe, Antonio Delli, María Fernanda Ferro e Ignacio Márquez.La cena, que le permitió a Marc Caellas (Barcelona, España, 14 de septiembre de 1974) debutar como director, con actores cubanos y españoles, en la temporada del 2002 en Miami, ahora lo relanza en Caracas como un sobrio puestista, cuidadoso del trabajo actoral y un buscador de nuevas formas espaciales para la ubicación del público, aunque ya antes había remontado, a partir de la puesta en escena de Elizabeth Albahaca, en la temporada del 2006, el unipersonal La noche de Molly Bloom, con la participación de la Ferro, en los espacios del Centro de Creación del TET, allá en Los Chaguaramos.Se ha dicho que Manfridi escribió esta pieza por encargo de Walter Manfré para su Teatro de la Persona, el cual, según Caellas, “huye de las grandes iluminaciones, la espectacularidad y los efectos especiales, para concentrarse en el actor, el texto y el espectador”. Dicho en otras palabras, para el contexto venezolano, La cena es un regreso al casi olvidado teatro de la palabra, al de las acciones mínimas, al teatro del teatro, a ese que es como un papel carbón de la vida misma.En La cena, con una situación y unos personajes burgueses, tres seres humanos juegan a vivir sus vidas según sus reglas, sin importarles para nada el otro. Un padre celoso que desea lo mejor para su hija, pero que no le deja una elección y no le permite el error, aunque ese siempre llega y se repite; una hija libertina que quiere hacer su vida, a sabiendas que tiene un papá que la quiere y es dueño de una fortuna, y un amante-marido-novio que busca un braguetazo que le cambie la vida por un tiempo; también hay un ex marido, cabrón además, que funge de sirviente. Son, pues, cuatro seres atrapados en una espantosa telaraña, donde lo único con sabor a vida es el vino tinto que ellos y el público consumen casi nerviosamente.Las actuaciones son versátiles. Nada sobra ni nada hace falta. Todo está en su sitio y lugar. Es una ceremonia donde todo se ha preparado y espera su final, especialmente cuando el celoso padre quema los cheques para castigar al imbécil que su hija ha escogido como pareja. Hay, pues, una comunión casi de índole hiperrealista en cada uno de los personajes, algo que conmueve. Y eso se agudiza porque el espacio escénico y teatral es una gran mesa oblonga, para 25 personas, la cual en una de sus esquinas reúne al trío que trata de cenar, de consumir selectas viandas, pero que lo que hacen es envenenarse por sus dramas.Creemos que el público hubiese tenido una mayor y mejor participación en este evento teatral, no sólo bebiendo el vino tinto, sino que el espectáculo hubiese tenido otras características lúdicas y seguramente hasta un final mucho más dramático, si además hubiese consumido los mismos alimentos del terceto principal. Es casi seguro que uno o varios espectadores hubiesen dicho o participado en ese juego escénico, donde hasta el chulo (felizmente encarnado por Delli), porque de eso se trata, culmina semidesnudándose para complacer, inútilmente, al difícil suegro.ver http://elespectadorvenezolano.blogspot.com/

LA CENA en Miami

2005-08-19T06:00:00.000-07:00

Algunas imágenes del primer montaje de LA CENA, en Miami. Fue en junio del 2002

Crítica escrita para El Nuevo Herald

LA MESA ESTA SERVIDA por Norma Niurka

De manera desenfadada unos cuantos creadores se han juntado para hacer teatro en el Centro Cultural Español de Coral Gables, y el resultado ha sido algo tan seductor como valioso.
A Marc Caellas, un joven catalán que estudió cine y ama las artes, se le ocurrió desarrollar este proyecto cuando el director del CCE, Guillermo Basso, le pidió vincular el teatro a la actual exposición de Miralda, Sabores y lenguas: 13 ciudades, que relaciona diversas artes con la gastronomía.
Caellas echó mano a La Cena --una pieza escueta, pero llena de vericuetos, como un juego de ajedrez--, de un interesante autor italiano, Giuseppe Manfridi, desconocido aquí, respetado en su país. También escritor de radio y cine, Manfridi forma parte de una generación de dramaturgos deseosos de hacer regresar la palabra al teatro.
El director novel ha convertido un salón desnudo, carente de facilidades teatrales (sólo con las paredes adornadas fortuitamente por la exhibición de Miralda), en el ámbito perfecto para celebrar la cena con unos comensales imprescindibles: los actores y el público.
Los espectadores ingresan al salón oculto por una cortina y van ocupando las 26 sillas ante una mesa impecablemestida vestida de blanco, cubierta de pétalos de rosas. La evocadora música de Satie, una iluminación que hace milagros y el silencio del público (que asume con respeto la peligrosa proximidad con los actores), son cómplices perfectos de la puesta en escena.
Después que al visitante-espectador le sirven una copa de vino, comienza la ceremonia (cuyo realismo Caellas agudiza con el persistente aroma de la comida). Es el enfrentamiento de un padre y su hija, tras el suceso que los separó; con tantos dobleces y sorpresas que lo malévolo se nutre de lo sagrado a capricho del autor.
Manfridi sabe usar las palabras en justa medida y La Cena es un texto de ideas bien formuladas, con un tanto de suspense, a ratos simpático y a ratos cruel, y muy entretenido.
La selección del elenco es el mayor acierto de Caellas: cuatro actores de diversas formaciones y nacionalidades se interrelacionan a la perfección en esta cena de escenas. El director debutante ha tenido el privilegio de contar con una estrella del calibre de Carlos Cruz, en su primera aparición en la escena miamense luego de una brillante carrera teatral y cinematográfica en Cuba. Actor de excelente formación, controla sus movimientos y su voz con precisión, y cada uno de sus gestos y frases están cargados de intención.
Raúl Durán lo secunda con cierta afortunada ingenuidad; y completan el delicioso reparto, Estefanía Durán, una refrescante actriz española que debería apostar de una vez por el teatro; y el nicaraguense Christian Ocón, quien rinde una labor muy seria.
Sería una pena que este trabajo haya terminado ya, como se supone ocurra. La voz se ha corrido y todo el mundo quiere acudir a esta cena. El CCE ha añadido una función mañana, a las 8 p.m., pero eso no basta.La mesa está servida y este comentario pretende ser estímulo para que se sienten a ella por largo rato. Con sobremesa.